No os perdáis a los genios de ARCO opinando sobre una "obra":
http://www.youtube.com/watch?v=Pj4MVtoNWZc
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No os perdáis a los genios de ARCO opinando sobre una "obra":
http://www.youtube.com/watch?v=Pj4MVtoNWZc
Siempre que veo algo de " arte moderno ", recuerdo las palabras del sargento marine de " La Chaqueta Metálica " de Stanley Kubrick: " Hijo, eres tan feo que podrías estar en un museo de arte moderno ":barretina:
¿15.000 EUROS? VOY A PONER A PINTAR A MIS HIJAS!!!!!!!!!!!!:barretina:
Eso es precisamente lo que los mueve. El arte se ha convertido en un mercado, algo parecido a la bolsa ya. No les mueve a hacer "arte" (arte es, solo que muestra sentimientos ateos y materialistas en vez de espirituales) un querer elevar el alma popular, tampoco el amor a Dios; sólo el dinero.Cita:
Iniciado por DON COSME
El problema a mi juicio radica no tanto en la "mercantilización del arte" que eso ha existido desde el Renacimiento, sólo hay que recordar los talleres de los grandes maestros "auténticas fábricas de producción en serie", sino en la pérdida del componente "artesanal del oficio", de la producción.Cita:
Iniciado por Nova_Hespaña
Antes, ser considerado artista implicaba primero "aprender el oficio", mostrar unas determinadas habilidades compositivas, un determinado sentido de la estética y del gusto, una formación en temas religiosos, mitológicos..., dominar ciertos códigos simbólicos, "hacer los colores y pinturas a partir de substancias naturales",... se entendía el arte como un camino hacia la búsqueda o representación de la belleza... y todo eso se ha perdido.
Por otro lado, siempre ha habido subjetividad y gustos cambiantes, ha habido buenas y malas críticas, artistas de personalidad más vibrante y arrolladora,... pero al moverse todos en el marco de la pintura figurativa, de alguna forma existía un componente objetivo de mayor peso en la evaluación de las obras.
Desde hace algún tiempo, ¿quizás incluso desde el surgimiento del cubismo?¿o igual desde el constructivismo?, se ha perdido todo marco objetivo de análisis. Ahora la búsqueda de la belleza, no es necesariamente un fin en el arte, sino que se trata más bien de expresar sentimientos, emociones, "conceptos"... Ahora cualquiera es artista, sólo hace falta tener un buen crítico y un buen galerista respaldándote!!!!!
Estamos reviviendo la historia de los sastres mágicos que hacían trajes de una belleza insuperable pero sólo apreciable por los "inteligentes"!!! En fin, buen aparte de la "producción artística" del Siglo XX y XXI no deja de ser más que la materialización a gran escala de ese gran cuento de NECIOS, amparados bajo la fórmula mágica: si no lo aprecias es que NO ENTIENDES.
El "arte moderno" es la exaltación de la mediocridad, de la nada.
Es un juego nihilista que funciona de la siguiente manera: Un artista hace un garabato asqueroso, y dice que responde a un "concepto". Un galerista lo exhibe a gran precio, porque lo que importa es el "concepto". Un coleccionista lo compra, porque tiene "concepto". Si alguien les indicara que es un garabato asqueroso los tres levantarían la ceja y explicarían que solo los "iniciados", los suficientemente "conceptuales" tienen la capacidad "intelectual" de apreciar el valor artístico de la obra. Añadirán que aquellos que no comprendan la obra son seres menores, carentes de suficiente "intelectualidad" y "sensibilidad artística". Se crea entonces una reacción en cadena, donde la masa, para ser considerada "meritoria" por la "élite intelectual", suspende su capacidad crítica y acepta la validez de la porquería.
El gran traidor Picasso es uno de los mas grandes responsables de esta catástrofe. Pero Dalí se mantuvo fiel a la tradición clásica europea. Dalí es el verdadero pintor moderno, el que supo crear algo nuevo a base de lo precedente. Los otros son unos terroristas culturales.
Nunca mejor explicado.Cita:
Iniciado por Josean Figueroa
Cuando Picasso entró en la escuela de bellas artes era un niño prodigio que pintaba como Miguel Ángel. Cuando creció, como de todos modos ganaba millones (llegó a ser uno de los pintores más ricos de la historia), enterró el talento que Dios le había dado y se dedicó a embadurnar telas con mamarrachos. Y a tomarle el pelo a la gente. Dos ejemplos: "Las señoritas de Aviñón" no representa a un grupo de muchachas de la famosa ciudad francesa que fue sede de los papas. Nada de eso. Eran las prostitutas de la calle de Aviñón, en París, de las que el pintor malagueño era asiduo cliente. El otro caso es nada menos que el Gernica. La verdadera historia es como sigue: gran amante de los toros, Picasso quedó tan afectado por la trágica muerte de Joselito en el ruedo que decidió homenajearlo pintando un enorme lienzo de 8 metros por 3 al que tituló "En la muerte del torero Joselito". Pero siendo el año 1937, en plena Cruzada de Liberación, el gobierno rojo encargó a Picasso un cuadro para el pabellón republicano de la Exposición Universal programada para el año siguiente en París. Entonces Picasso tuvo una idea genial: adaptaría el cuadro taurino rebautizándolo como Gernica, para que supuestamente fuera la ciudad después del bombardeo, y lo vendió a las autoridades republicanas por nada menos que 300.000 pesetas de la época, que pagó Stalin a través del Komintern. Los rojos hicieron todo un símbolo de la pintura, convirtiéndola en el cuadro más célebre del siglo XX y contribuyendo enormemente no solo a crear el mito de Picasso sino el mito de la destrucción de Guernica, mito que los historiadores serios han puesto en su sitio, deslindando lo cierto de lo falso, ya que no hubo ni muchísimo menos tantas víctimas como se afirma, ni tampoco se puede decir que fuera una ciudad civil porque estaba llena de instalaciones y fábricas militares, y el mercado se había suspendido ese día precisamente por la posibilidad de bombardeo. El caso es que la cabeza de caballo que se ve en el cuadro no es otro que la montura del picador, y el toro no es el MInotauro, sino el toro que mató a Josélito. En fin, así se escribe la historia mientras se pervierte el arte y el buen gusto.
Ah, ¿ pero existe una tradición clásica europea ? :toyenfermo:
Claro, no entiendo a que viene la pregunta.Cita:
Iniciado por Ordóñez
La verdad, hasta le sale mejor al mono que a muchos "artistas"
http://www.elmanifiesto.com/imagenes/sp.gif
El porqué de la degeneración del "arte"
http://www.elmanifiesto.com/imagenes...onopintor1.jpgEl "artista" en el "trance creativo".
JUAN PABLO VITALI
“Consideramos la belleza de la criatura como el esplendor de una verdad cuyo dominio implica un bien.”
Leopoldo Marechal
“Ningún hombre obtiene buena voluntad por su cortesía, cuando se pone al nivel de una sociedad en la que no es cortés ser espiritual.”
Federico Nietzsche
Cuando hablamos de arte, hablamos del tipo de hombre que posee una cosmovisión suficientemente elevada para comprender, apreciar y valorar el arte. Mucho se ha escrito sobre el tema, pero de lo que no cabe duda es que no es arte la excitación emocional de un pretendido artista, aunque esté respaldada por considerables cantidades de dinero y por la opinión prefabricada de algunos medios. Si bien debemos vivir entre los excrementos del mundo, no tenemos por qué llamarles arte. La diferencia entre los griegos y un mono, no la quita la billetera del mono, ni su simiesca convicción de ser un artista.
Lamentablemente –o no tanto– el único modo de reconocer un espíritu elevado, es poseer uno. Antiguamente, el problema era más simple, porque los hombres poseedores de esos espíritus, que nunca fueron muchos, solían agruparse en torno a aquello que les es propio, según sus cánones, su función social, su destino histórico y la natural inclinación de las almas. En ese ámbito valoraban el arte.
Hoy esos mismos hombres deben sufrir a menudo una existencia impropia para los de su tipo, aunque muy acorde a la edad oscura en que vivimos. Hoy el arte es valorado por psicólogos freudianos, progresistas diversos, perturbados mentales y animadores de televisión, entre otros personajes, pero siempre, por algún motivo que no osaré dilucidar, sus opiniones se respaldan en una multitud de medios materiales, en última instancia: de dinero.
Durante milenios, los señores se ocuparon del arte y de la guerra. Hubo pueblos de señores, como nuestros antepasados los griegos o los romanos, que forjaron las bases inmortales de nuestra estirpe. Nos quedan los testimonios que jalonan el derrotero de los nuestros: las catedrales góticas, las obras renacentistas o el barroco americano.
Para acercarse al arte, los hombres deben conservar cierta comprensión de lo sagrado, y de lo que es capaz de producir el espíritu humano. Pero para eso, no deben haberse vaciado en la angustia nihilista de la materia, no deben haber entregado ni sometido su espíritu a las máquinas, al consumo, al bestialismo materialista.
Y como la materia, ya sin espíritu, se convierte en algo cada vez más miserable, en su descenso va derribando barreras hacia lo más profundo de la oscuridad y del vacío.
El arte refleja la altura espiritual del hombre. El mármol, la palabra, la pintura, la arquitectura llevan en sí la estatura de su tiempo. Es materia ordenada según un orden que la ha creado, y que la recrea en función de los cánones de la creación original, con la sagrada conciencia de cuál es el sentido de hacerlo: elevar el espíritu humano.
Hace poco leí una publicidad de automóviles que decía: “las máquinas están haciendo cada vez mejores hombres”. Era la opinión de la máquina, sin duda, porque en general el hombre ya no opina como tal, ni hace arte; sólo hace máquinas para que opinen, para que digan ellas lo que piensan sobre él. Ese tipo de hombre no necesita el arte.
Chorrear pintura
http://3.bp.blogspot.com/_VhpBcDwg5f...6020432927.jpg Resulta paradójica la cualidad pesetera que han tenido los pseudo artistas. Mientras menos arte, más rentable. Así desde el siniestro Picasso pasando por Miró y ahora los Tapies y Barceló y demás especímenes (los nombro no se imagina la gente con cuánta repugnancia, que hasta escribir los nombres me da escrúpulos).
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¿Nunca han visto una paleta de pintor? Me gusta verlas porque son el totum revolutum de donde sale la Pintura. De un vistazo, uno conjetura qué colores y tonos dominarán en el lienzo, según el abigarrado colorido de los óleos mezclados y superpuestos en la paleta. Me gustan las paletas de pintor, pero sé que son paletas. Nada más.
Una especie de macro paleta es el nuevo gran timo con coste - se rumorea, que no está claro - de 11 millones de €uros, once. Imagino que no todos irán al bolsillo del avispado pintor-timador, pero imagino también que sería muy interesante saber quién más mete su cucharón en la sopera de los 11 millones de €.
Si será super-farsa la "obra" que no disimulan ni la técnica de chorro al techo con manguera, como se ve en la foto. Que no sé yo hasta cuándo tendrán que ponerse gorro y chubasquero para poder pasar debajo del engendro sin salir pringados y chorreados, hasta que las estalactitas de pintura sequen del todo.
http://3.bp.blogspot.com/_VhpBcDwg5f...6020436680.jpg
Pero ahí está. Con la desvergüenza de proponerse como "Capilla Sixtina", para mayor irrisión. Claro que para reirse (o estremecerse) hay que saber qué es cada cosa y comparar cada una de ellas. Aunque puede ser que a más de uno la ridiculez se le transmute en penosa conciencia de la degeneración ambiental general (aunque se calle por no infringir la corrección política, ya se sabe).
Si lo he comentado aquí, en el blog, alguna vez, vuelvo a decirlo, incansable: No sólo es perversamente infra-artístico, sino que se ha hecho perversamente apreciable. Como con los abortos y otras aberraciones: No sólo se han introducido, legislado y aceptado por el común de la gente, sino que además se aceptan como "bueno", y se enseñan como "derechos" y "libertades". Respecto al arte, lo mismo: Lo han impuesto, lo enseñan y valoran como arte, y lo han introducido como tal en la mente de los acríticos, que no distinguen ni saben separar como merece el Arte del timo de los falsos "artistas-arteros".
Un horror. Con muchas víctimas y afectados. Y tan caro carísimo como pagar 11 millones por chorrear de pintura con manguera un techo de un sitio (oficial).
Y cada vez menos críticos. Y la Historia del Arte cautiva en las apestosas y tóxicas cloacas de la post-modernidad.
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p.s. Por cierto que el timo adefésico encierra más inmoralidades. Hoy cuenta la prensa (la psoera no dice nada, claro) que se han gastado fondos destinados a la ayuda internacional en la pintu-mamarrachada, que costará cerca de 20 millones al mecenas Zp y su piara (pero que se pagará con dinero de todos-as, claro también).
http://exorbe.blogspot.com/
Chorros para una chorrada
POR JUAN MANUEL DE PRADA
Sábado, 08-11-08
EL ministro Moratinos se ha salido por la tangente machadiana cuando le han preguntado el coste de la obra que el artista Barceló está realizando en la sede ginebrina de la ONU, en una sala que Zapatero ha bautizado con un par de huevos «Sala de los Derechos Humanos y de la Alianza de las Civilizaciones». «Es de necios confundir valor y precio», ha despachado Moratinos al periodista preguntón, con la misma displicencia con que antaño se despachaba a los burguesazos que no entendían el arte nuevo, motejándolos de filisteos. A Moratinos no se le ocurriría llamar filisteo a nadie, porque es un insulto que suena pro-israelita y contrario a la Alianza de Civilizaciones; así que se ha conformado con tildar al periodista preguntón de necio, que es un eufemismo de reaccionario y fascista. El exabrupto de Moratinos revela la desesperación de quien encubre un timo y no posee otro mecanismo de defensa ante su desvelamiento que el anatema; se trata, en realidad, de la misma reacción emberrinchada que tuvieron los sastres truhanes de la fábula, cuando un niño se atrevió a proclamar que el rey paseaba desnudo. Es, en fin, la respuesta de quien tiene perfecta conciencia del embeleco que ampara y sufraga (con cargo al bolsillo del contribuyente, faltaría más), pero confía en la sumisión de sus lacayos para mantenerlo; cuando un lacayo se atreve a cuestionar el valor del embeleco, se le anatemiza y santas pascuas.
Moratinos alecciona a sus lacayos y los previene contra la tentación del filisteísmo asegurando que la obra del artista Barceló es «una nueva manera de hacer diplomacia y política exterior». Y, para que no quede ninguna duda al respecto, se nos muestran unas fotografías del artista Barceló en pleno tajo, disfrazado de astronauta y provisto de una manguera con la que lanza chorros de pintura al techo de la sala. Al artista Barceló, que usa escafandra para que los chorros no lo salpiquen, no se le ve el gesto en las fotografías; pero lo imaginamos risueño y ufano. Tan risueño y ufano como el gesto que los chicos de mi pandilla exhibíamos cuando nos juntábamos en un solar, frente a una tapia derruida, y competíamos por ver quién meaba con mayor ímpetu y alcanzaba con su chorro el revoque desconchado. Los chicos de mi pandilla éramos, sin embargo, un hatajo de filisteos; pues mientras dirigíamos el chorro de nuestras mangueras (o mangueritas, tampoco hay que exagerar) contra la tapia no se nos ocurría pensar que estuviésemos completando una obra de arte. Moratinos, en cambio, piensa que los chorros que el artista Barceló dirige contra el techo de la campanuda Sala de los Derechos Humanos y la Alianza de Civilizaciones son «la Capilla Sixtina del siglo XXI». Esta afirmación puede parecer a simple vista una hipérbole propia de un mentecato; pero se convierte en verdad inapelable y profundísima a poco que reflexionemos sobre la naturaleza del arte contemporáneo.
A fin de cuentas, ¿qué hizo Miguel Ángel en la Capilla Sixtina? Pues lo que hizo fue reflejar con los pinceles la idea de un Dios creador que había hecho al hombre a su imagen y semejanza; un Dios, por lo tanto, que era un artista figurativo, esto es un reaccionario y un fascista. ¿Y qué hace el arte contemporáneo? Pues lo que hace el arte contemporáneo es reflejar su aversión a la idea de un Dios creador, proponiendo un universo que rechace el modelo de su creación; un universo regido por las leyes que el propio artista determina y que, en su engreimiento, terminan siendo una ausencia completa de leyes, una anomia fatua y agnóstica que se resuelve lanzando chorros con una manguera. El artista Barceló es, en efecto, el Miguel Ángel del siglo XXI; y la Alianza de Civilizaciones es una creación a la medida del arte contemporáneo: una chorrada sin pies ni cabeza, hecha a imagen y semejanza de un diosecillo con la cabeza hueca que sufraga sus caprichines saqueando los bolsillos de los lacayos que han contribuido a su endiosamiento. Cualquier lacayo que ose rebelarse se constituye automáticamente en un necio que confunde valor y precio: el precio de la chorrada son once milloncejos de nada; pero su valor -¡ah, su valor!- lo define el ímpetu del chorro. Y, puestos a mear lejos, nadie lo hace con tanto ímpetu como el artista Barceló.
http://www.abcdesevilla.es/20081108/...-20081108.html
Leí que el pago de esa ''obra'' lo está sufragando el estado español.
pd:Es feo ese techo pero con saña, como dirian en Colmenar Viejo.
Quize rescatar este tema pues en Argentina existe un "artista" de estos, Regazzoni, que toma restos descartados de maquinaria ferroviaria, los suelda, les pone algún nombre extravagante y los presenta como obras de arte. Adefesios de hierros retorcidos sin ton ni son valuados en millones.
Sus compradores y admiradores, entre otros, son Antonio Banderas, Madonna, y acaudalados franceses.
Hizo tanto dinero con esta patraña, que llegó a comprar un castillo en las afueras de Francia, donde va a "inspirarse y crear" durante seis meses al año.
Por supuesto que lo suyo no hubiera sido posible sin la colaboración(connivencia?) de ciertos críticos de arte que le dieron y le dan prensa.
Bodrios que a los dos años están oxidados y arrumbados en alguna esquina olvidada.
Gracias a Dios no llegó al Louvre.
Estilhaços do Belo
Sidney Silveira
Na dimensão estética do homo liberalis, há uma fratura entre ser e conhecer, entre a inteligibilidade dos entes e a inteligência humana, entre o Belo ontológico e o Belo gnosiológico — pois, ao encerrar-se na pseudo-autonomia da sua consciência individual, a pretexto de ser “livre”, o liberal escravizou-se no reino da sensibilidade, onde a beleza não consegue ultrapassar, na medida e no nível em que humanamente poderia e deveria, a região dos sentidos: tanto dos sentidos externos, que captam a materialidade das coisas; como do sentido interno da imaginação, cuja capacidade de associar e dissociar imagens (e orientá-las à vis cogitativa da alma) sofreu um déficit fundamental, dado o patológico anseio de “autonomia”, de liberdade absoluta, em que o liberal está tristemente arrojado. Em suma, tal anseio exacerbado é causa próxima da imensa dificuldade que o liberal tem de hierarquizar ações e sensações e ordená-las a fins necessários extra mentis, dificuldade de vislumbrar nas coisas uma beleza além da de suas formas externas. Analogamente, é como um jogador de xadrez que, ao ver um tabuleiro com as peças em determinada posição, só enxergasse a beleza da disposição material delas, mas fosse cego à contemplação de sua beleza inteligível, ou seja: a da variante do jogo, com todas as implicações e possibilidades da posição.
Na prática, dado o seu radical despojamento do que é mais importante (na captação e conseqüente valoração dos entes, pelo homem), o liberalismo, no decorrer dos últimos duzentos anos, produziu, teorizou e disseminou pelo mundo:
Uma beleza sem dimensão teleológica.
Uma beleza sem verdade. Sem o horizonte orientador do verum.
Uma beleza sentida e/ou percebida, que não alcança plenamente a região do inteligível.
Uma beleza sem bem e, portanto, sem moral.
Uma beleza da mera justaposição dos materiais usados.
Uma beleza sem ética — sem dever-ser. Indutora da revolução dos costumes, de uma permanente e nunca assaz satisfeita quebra de códigos.
Uma beleza do simples artesanato.
Uma beleza sem sublime.
Uma beleza sem ‘noesis’ e, portanto, sem ordem, em sentido próprio.
Uma beleza da imanência e, portanto, incapaz de proporcionar verdadeiro êxtase.
Uma beleza da “autonomia” do Belo em relação às dimensões transcendentais do Ser.
Uma beleza sem a presença do sagrado, ou seja: sem a sombra de Deus.
Uma beleza sem os arquétipos da condição humana.
Uma beleza do devir em detrimento do ser.
Uma beleza do tipo l’art pour l’art.
Uma beleza da inversão dos meios e dos fins.
Emancipada do seu alcance metafísico, teológico, gnosiológico e ético, como acontece no liberalismo, a arte (e toda a presumível beleza que seja capaz de produzir) se esvai em jogos formais vazios. Não lhe restará senão ser mistificadora, totêmica, fantasiosa, espectral, formalista, voluntarista, imoralista, “conceitual”, etc. Em síntese, restam tão-somente estilhaços do Belo — cuja fragmentação teórica e prática é proporcional à fragmentação do homem que a teoria liberal, artificiosamente, criou: um ente cindido por potências entre as quais não existe uma hierarquia relativa aos bens que cada uma é capaz de atualizar, mas apenas a liberdade “absoluta” da vontade.
Nesta configuração, a arte se transforma em um tipo de ação humana totalmente desprovido e/ou alheio ao reino do supra-sensível. E, ainda que, em tal perspectiva, se consigam identificar certos aspectos isolados do Belo — como proporção e harmonia — jamais será uma beleza elevada, jamais edificante, jamais extasiante, jamais íntegra. Será, isto sim, uma beleza avessa à excelência espiritual a que o homem (dadas as suas potências distintivas) é vocacionado, individual e socialmente. E ai de quem apontar limites gnosiológicos ou morais para tal tipo de beleza...
Este, senhores, é o admirável mundo forjado pela cosmovisão liberal. Um mundo no qual a beleza (podada de suas reais dimensões, reduzida a uma casca superficial) torna-se, cada vez mais, um chamado ao abismo, à queda, ao erro, à mentira, às paixões mais loucas. Um mundo no qual a beleza torna-se um chamado a prazeres tão intensos quanto angustiosos e lancinantes, pois cauterizam em nós o que há de mais elevado: a imagem e a semelhança divinas.
http://contraimpugnantes.blogspot.com/
Yo no soy partidario del arte moderno, pero lo que los que os reís de estas manifestaciones no entendéis es que el art brut que produce un niño al pintar ya es arte en sí mismo y es valioso artísticamente (lo que no equipara un valor en dinero).Cita:
Iniciado por DON COSME
El negocio de las galerías de artes y como autenticas mamarrachadas valen millones es una vergüenza, del estilo de la de los sueldos de los futbolistas :no3:
Yo soy 100% clasicista y figurativo. Como artista conozco y puedo respetar algo el tema del arte moderno, pero la verdad es que sin caer en llamarlo "arte degenerado" como hacian algunos, sí que me parece una pasada. No obstante, yo más bien detesto las "mafias" de las galerías de arte y subastas. El arte moderno me parece válido pero me ofende la valoración monetaria tan arbitraria que sobre dichas obras recae.
Vídeo curioso sobre un posible origen propagandístico del arte sin fundamento.
[YOUTUBE]http://www.youtube.com/watch?v=f6_uwTrL2kM[/YOUTUBE]
¿Es arte moderno o arte contemporaneo?
Aparte de Dalí y Claudio Bravo, y este (no humilde) servidor, no hay arte moderno, solo patrones decorativos para ropa de cama.
:muchagracia::muchagracia::muchagracia:
La silla de mi abuela tenía más arte.
http://www.osodio.com/wp-content/upl...stmoderno1.jpg
Es como todo lo progresista, ni ellos mismo lo entienden.
No queda bien citarse; pero como en realidad es tan sólo una (mala) traducción, quizá a alguno le aproveche:
http://cnelkurtz.blogspot.com/2009/0...esial-dos.html
Muy bueno el artículo. Lo leí cuando apareció y me gustó mucho (y por cierto, el blog del autor original es muy recomendable) pero no lo había posteado porque siempre consideré una descortesía copiar y pegar artículos de los blogs de otros miembros del foro salvo que tenga autorización de ellos.Cita:
Iniciado por Walter E. Kurtz
Exposición de nada
París acoje una nueva exposición de nada
http://static.guim.co.uk/sys-images/...mpidou-001.jpg
En nueve habitaciones vacías, 'el espectáculo más radical jamás visto' celebra los 50 años del arte del vacío.
La naturaleza odia el vacío, pero el arte no siente lo mismo. Desde la música silenciosa hasta las exposiciones invisibles, en estos últimos 50 años hemos observado el surgimiento del movimiento que donde la ausencia es presencia, menos es más y el vacío está lleno hasta arriba de significado.
Ahora, por primera vez desde que John Cage compuso su silencioso tema de 4 minutos y 33 segundos y Yves Klein invitara a miles de personas a ver una vacía y blanca habitación, el Centro Pompidou de París dedica una exposición al arte de la nada.
Aclamada por los críticos, definida como la obra más radical mostrada en el interior de un museo, "Vacíos" es una retrospectiva que celebra el arte que, según el artista Robert Barry dijo, quiere "darnos la libertad de pensar por un momento qué vamos a hacer".
Es una recreación de obras de los últimos 50 años, una retrospectiva que se extiende a lo largo de 9 salas, todas sin el más mínimo contenido. Las paredes recien pintadas son de un blanco uniforme, el suelo de parquet uniforme y pálido. Las únicas cosas que destacan (un termostato aquí, una señal de salida de emergencia allá, un pañuelo sucio que alguien tiró junto a una puerta) toman un nuevo y extraño significado sin precedentes.
Para Laurent Le Bon, director del Pompidou Metz, el proyecto está "en la línea de batalla de la aventura artística, y en la aventura de la historia del arte". Su compañero conservador del museo, Mathieu Copeland, dijo a Le Monde que la exposición tenía intención de ser "una experiencia real", y que sus asistentes podrían ser desafiados a pensar seriamente sobre su entorno. "No era solo cuestión de hacer una exposición sobre arte radicalmente conceptual, sino invitar a la gente a explorar de una manera muy física los espacios que los rodean, cada uno con su propia textura", añadió.
Arriba del todo está Klein, el entusiasta del vacío original, cuyo espectáculo de 1958 en la galería Iris Clert de París comenzó la bola de nieve con un "anti-blockbuster", con la característica principal de carecer de carácter físico. Ése fue el reclamo para presentar The Void, El Vacío (o su título completo "The Specialisation of Sensibility in the Raw Material State into Stabilised Pictorial Sensibility, The Void"), donde 3000 personas hicieron cola para cruzar una cortina azul que los llevaba a una habitación vacía.
El Pompidou acompaña obras propias con otras de otros artistas como Maria Eichhorn, Bethan Huws y Robert Irwin. El colectivo británico Art & Language también toma parte, reproduciendo su obra Air-Conditioning Show, mientras que la actuación en solitario de Laurie Parsons de 1990 se recrea con el mismo desdén hacia los garabatos que el original (las invitaciones originales de Nueva York no contenían nombres ni fechas, sólo la dirección de la Lorence-Monk Gallery).
Denis Comy, un artista de Gales, estaba esta mañana exporando los espacios vacíos, y aseguró que se quedó anonadado ante la "pureza" del concepto. "Estás en una de las principales galerías de arte y experas ver algo", dijo. "Pero sólo hay blancura. Cosas como las señales de salida de emergencia ahora parecen superfluas, intrusivas".
Quizá predeciblemente, sus impresiones no son compartidas por todo el mundo. Un grupo de estudiantes americanos en París por la spring break (N. del T. semana blanca por aquí, más o menos) no fueron tan impresionados. "Esto es una p... mierda", dijo uno. "Da la impresión de que no ponen nada porque no les sale del n...".
Arte basura
Últimamente, no hay feria de arte contemporáneo en la que no acabe en la basura alguna de las obras expuestas que el servicio de limpieza ha confundido con una inmundicia. Recientemente, una señora de la limpieza ha acabado con una bolsa de basura en la basura al creer que ese era el sitio adecuado para tal bulto. Luego resultó que se trataba de una obra expuesta y rápidamente devolvieron la basura a su sitio en la exposición. Quizás se trataba de una metáfora, quizás de la pura realidad. ¿Quién tiene más juicio sobre la obra, la señora de la limpieza que capta el verdadero valor de la cosa en cuestión, o el crítico que expande mil teorías sobre el genio creador de su favorito de turno?
Claro, que tampoco es extraño ver en las noches a grupos de sombras huidizas hurgando entre los contenedores frente a los pabellones de la exposición. No son ratas, ni mendigos en busca de un pedazo de pan que llevarse a la boca, sino los propios artistas intentando recuperar las piezas de sus obras desaparecidas sin que nadie las haya comprado.
En algunas ocasiones, sin embargo, los servicios de limpieza, que han sido previamente informados de las cosas que pueden encontrarse en dichas exposiciones, pueden ser tan escrupulosos de su trabajo que ante la duda, dejen una lata de refresco vacía en el suelo por si tratara de la última performance del último eco-artista de moda.
Personalmente, creo que el arte contemporáneo está corrupto, conviviendo en su enorme espacio un sinfin de maleantes de variada calaña y oscuro origen (marchantes, galeristas, artistas, críticos, compradores, falsificadores, intermediarios, subastadores, políticos culturetas, etc) junto a verdaderos artistas comprometidos con su trabajo y su obra, buenos galeristas con criterios no sólo mercantiles y buenos coleccionistas alejados de las corrientes de especulación... y señoras de la limpieza que saben de arte más que muchos de los citados.
Escrito por odyseo
Aprovechando el artículo que recién puso Hyeronimus
http://hispanismo.org/cultura-genera...tml#post138565
Dejo éste que es muy parecido y donde expone que esta clase de “obras” dan la pauta para que cualquiera se convierta en un “artista”.
Cita:
JUEVES, 17 DE JUNIO DE 2010
USTED ES UN ARTISTA
http://2.bp.blogspot.com/_tTf2KdByYY...irty+Socks.jpg
http://2.bp.blogspot.com/_tTf2KdByYY...er+Soriano.jpg
Christopher Bücher, Dirty Socks, 40,000.00 euros. Obra de Peter Soriano, 19,000.00 dólares
Una de las bases de la sociedad de consumo es que adquirimos objetos que de alguna forma no podemos hacer, es decir, usted no puede fabricar el coche que maneja o va a un restaurante porque sólo ellos cocinan un platillo con una receta inaccesible y deliciosa.
Eso también sucede con el gran arte, comprar una pintura o una escultura, adquirir obra gráfica como grabados o litografías es porque el artista tiene un talento extraordinario que hace imposible que alguno de nosotros imite su obra. El gran vendedor que es Damien Hirst afirma que cualquiera puede pintar como Rembrandt, cuatro siglos después nadie pinta como Rembrandt pero usted si puede hacer pinturas como las de Damien Hirst.
Aproveche que hoy cualquiera puede ser artista y haga sus propias obras de arte contemporáneo. Si se pone a pensar, es absurdo pagar por algo que usted mismo puede hacer. Sin miedo a las leyes de derechos de autor copie cualquier obra y adjudíquesela, ahorre miles de dólares. Le advierto que no lo estoy invitando a delinquir, para el arte contemporáneo no existe el plagio ni el robo artístico. Si usted toma cualquier pieza de cerámica de las que dan de premios en las ferias y dice que es una obra de Jeff Koons lo que usted está haciendo es “cuestionar el concepto de la autoría demostrando la invalidez del artista como creador único”.
Cuando en 1963 la Mona Lisa viajó a New York para ser expuesta en el Metropolitan Museum, Andy Warhol afirmó: “para que trajeron el original, con una copia era suficiente, nadie habría notado la diferencia”. Warhol se equivoca en relación al gran arte, pero en relación al arte contemporáneo tiene toda la razón. La última Feria Frieze en Londres vendió por 40,000. 00 euros un par de calcetines sucios de Christopher Bücher. Me imagino que usted tiene varios en su casa, aproveche y póngalos en una vitrina en la sala. En las galerías de Chelsea, instalación de teléfonos viejos, 3 piezas, de Janett Cardiff, 35,000.00 dólares.
Los videos de sus vacaciones y de las fiestas familiares que por lo general quedan horribles, no se avergüence de ellos, quíteles el audio y déjelos mal editados, en Zach Feuer Gallery tienen los videos de Tamy Ben Tor disfrazada con un bigote postizo, diciendo cosas sin sentido y valen 7,500.00 dólares cada pieza de 7 minutos, es una serie de 5 videos. Si a usted le impresiona que los directores y curadores de museos contemporáneos exponen sólo colecciones privadas para que los coleccionistas los inviten a sus fiestas, usted haga lo mismo, ponga al menos inteligente de su familia a realizar trabajos de terapia ocupacional y recolecte sus “obras” y exhíbalas en una fiesta en su casa, puede asignárselas a otro artista, es parte de la reflexión destruir la idea del autor como dueño intelectual de la obra. Y como dice Warhol, nadie va a notar la diferencia.
Si sus sobrinos rayan las paredes de su casa cuando van de visita reprima sus instintos asesinos y entrégueles varios botes de pintura de espray, además el chemo* los va a poner inspirados, porque una pintura de Peter Soriano de un cochecito pintado en la pared de su casa le puede costar 19,000.00 dólares, y es una ganga, si usted quiere que el asistente de Tracy Emin le pinte en su pared la palabra Fuck, le cuesta 90,000 euros. Ya sabe, póngase creativo y ahorre.
Publicado en El Semanario, en la columna Arte y Dinero el jueves 17 de junio del 2010.
NOTA. *Chemo: solvente tóxico. Ingrediente de las pinturas industriales, es utilizado como droga.
Publicado por Avelina Lésper en 12:12
Fuente:
Avelina Lésper: USTED ES UN ARTISTA
Excelente resumen del porqué el arte moderno es horrible. Todo esto es resultado del relativismo, que no solo afecta el ámbito moral, sino como consecuencia lógica otros aspectos del ser humano.
https://www.youtube.com/watch?v=lNI07egoefc
Los más altos representantes de las bellas artes en el mundo dieron un comunicado en el que notificaron a la sociedad que no existe y nunca ha existido el arte moderno, únicamente se inventó el término para hacer sentir bien a pseudo-artistas carentes de talento. “La verdad fue nuestra culpa,” comentó Pierre Jean-Claude, pintor de verdad francés. “Inventamos eso del arte moderno porque había mucha depresión y artistas frustrados, nunca creímos que se fuera a salir tanto de control y se convierta en algo tan irritante, tampoco sabíamos que habían tantos pseudo-artistas en el mundo.” Se espera que con estas revelaciones, estas personas desistan y vuelvan a dejar el arte en manos de aquellos que sí saben lo que están haciendo y no justifican la obvia carencia de belleza de su obra con pretextos cómo: “es algo abstracto” y “no te gusta porque no lo entiendes”. “Además éste tipo de ‘arte’ tiene la carencia de que en unos años ya no podrá considerarse moderno, pues ya va a haber pasado el tiempo y en ese caso miles de ‘obras’ quedarían sin pertenecer a ninguna corriente.” Señaló uno de los discípulos de Bob Ross.
Recuerdo que en el ámbito musical, gran parte del siglo XX fue dominado por el atonalismo, llegando a su cúspide con las corrientes como el serialismo, cuyo uno de sus representantes máximos (Karlheinz Stockhausen), llegó a afirmar que todo sonido es música (?!).
Las consecuencias de esta afirmación son evidentes, y se reflejan en algunas obras como las de Krzysztof Penderecki, John Cage y el mismo Stockhausen.
¿Diferencias el arte moderno de dibujos de niños? ¡Haz el test!
¿Eres capaz de diferenciar una obra de arte moderno de un dibujo hecho por niños? Te dejamos un test con 20 obras!
¿Cuántas eres capaz de acertar? ¡Dinos tu resultado!
https://www.youtube.com/watch?v=cMbBYuBGaUE
https://www.youtube.com/watch?v=cMbBYuBGaUE
:D
Confunden obra de "arte moderno" con basura
El museo recuperó gran parte de la muestra de arte
http://www.debate.com.mx/__export/14..._594723958.jpg
El museo recupera una gran parte de la muestra de arte.
El Museo de Arte Contemporáneo de Bolzano, se llevarón una enorme sorpresa al no poder encontrar una muestra de arte en una de las salas. Luego, se anunció por la red social de Facebook.
I precedenti illustri ci sono tutti, dalla vasca di Joseph Beuys alla porta di Duchamp. Questa mattina il personale addetto alle pulizie ha rimosso l'installazione ambientale 'Dove andiamo a ballare questa sera?' delle artiste Goldschmied & Chiari, recentemente inaugurata. L'opera, che mostrava i resti di una festa finita, verrà riallestita al più presto!
https://scontent-lax3-1.xx.fbcdn.net...ff&oe=56ADE6B2
Una empleada de limpieza se confundió de sala, y en vez de limpiar el cuarto de la habitación donde presentaron un libro, la mujer recogió toda la “basura” supuesta muestra de arte en los tachos de reciclaje.
La muestra de arte era una “representación del hedonismo, el consumismo y la especulación financiera de la escena política italiana de la década de los 80", anuncia el museo en Facebook.
"Si ella creyó que era basura, entonces significa que lo era", aseguró el crítico de arte Vittorio Sgarbi al ser consultado por el medio NBC.
"El arte debería ser entendido por todos, incluyendo a los limpiadores. El hecho de que el museo pueda simplemente recolectar las piezas del tacho de basura y los ponga juntos demuestra que no era arte en primer lugar", comentó Vittorio Sgarbi.
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Fuente:
EL DEBATE | Confunden obra de "arte moderno" con basura | México
Hay un sinnúmero de abusos cometidos en nombre del "arte" contemporáneo: abusos, trampas, bromas y estafas. ¿Por qué? ¿qué tiene este "arte" que no ha tenido ningún otro antes para que en su nombre se puedan cometer tantas barbaridades abominables?
La inmensa mayoría de personas no entendemos qué nos quieren decir cuando observamos obras de "arte" contemporáneo. E incluyo a personas ilustradas y formación cultural suficiente y con sentido estético desarrollado pero que sin embargo son impotentes ante la expresión "artística" actual.
Podríamos analizar, al menos, tres dimensiones diferentes aunque complementarias:
1ª.- la creación contemporánea es, ininteligible para el ciudadano común. Algo que nunca antes había ocurrido. Cualquier pastor o labriego del XVII podía entender y conmoverse con una tabla de Velázquez. Tal vez fuera incapaz de apreciar todos los matices y rasgos geniales del pintor pero podía recibir alguno de los mensajes encerrados en la obra.
Un ciudadano medio actual es incapaz de captar mensaje alguno de una obra de Tapiés o Pollokc (por citar dos muy conocidos). Ha surgido un abismo insalvable entre autor y público.
2ª.- la creación contemporánea es igualmente incomprensible para personas entrenadas. Es característico del "arte" de los últimos 50 años cuando la subjetividad del autor confiere a la obra unos rasgos indescifrables.
Hasta el "pop art" el público culto pudo seguir la evolución de las escuelas y la sucesión de "vanguardias". No era fácil pero era posible con algo de esfuerzo penetrar los misterios del cubismo, las fosas del surrealismo, o los principios elementales de la abstracción.
A partir de cierto momento el aficionado perdió, para siempre la orientación, cuando los autores abstractos dicen que llegaron a una expresión mínima de sus mundos interiores. Nacía la transvanguardia (según Achille Bonito Olivia) desde entonces la vanguardia había muerto y vagamos entre fantasmas sin dirección. Y surge un último abismo entre el arte y sus receptores.
3ª.- la creación "artística" contemporánea, incomprensible para el común mortal e incluso para el culto deja de ser incomprensible para convertirse en escandalosa, indecente, y se venden como "arte" productos que de ninguna manera pueden ser tal. Algo que nunca antes había ocurrido.
Actualmente performances e instalaciones agotan el absurdo: desde pollos degollados masivamente en espacios públicos hasta contenedores de vacío, pasando por cadáveres despedazados o espaldas tatuadas de toxicómanos, etc. todo envuelto en el oropel de la subvención pública y la sonrisa y complacencia de la "crítica"
¿Es esto arte?, ya no es que el mortal común se encoja de hombros, o los cultos queden estupefactos, es que el propio mundo del arte clama por lo que claramente es una impostura y un abuso. El "arte" ya no tiene sentido porque produce cosas carentes de él. Este tercer abismo de conocimiento es definitivo y sólo cabe concluir que el llamado "arte contemporáneo" ha decidido abandonar cualquier elemental concepto de arte, por lato que sea. El arte ha dejado de existir.
Aunque en estas tres dimensiones se encierra gran parte del "problema" del "arte" contemporáneo son tres caras distintas del mismo problema.
Si bien nos hemos referido a las artes plásticas (las más gráficas) lo mismo es válido para cualquier otra manifestación de las artes: música, arquitectura, etc. En todas las ramas artísticas es palpable el mismo proceso de ruptura con la sensibilidad popular y la tradición cultural (incluida la moderna), incluso con el propio concepto de arte tal y como se definió durante siglos en Occidente. Y es la primera vez que ocurre. Nunca, en ningún otro lugar había sucedido nada semejante.
Todas las civilizaciones conocen episodios de iconoclastia, hay bruscos cambios en la forma expresiva, generalmente bajo bruscos cambios políticos pero NUNCA se había llegado a la que la sociedad NO pudiera reconocer el arte que ella misma genera.
Entre las causas de que esto sea así destacamos:
a) la búsqueda OBSESIVA de la novedad al punto que la novedad se convierte, per se, en el único objeto de la búsqueda expresiva del crador.
b) la desparición de significados inteligibles. No tanto con la representación realista del entorno sino más bien la desaparición de los códigos compartidos por creador y espectador.
c) transversalidad de los soportes. Cualquier cosa vale para hacer "arte": latas de conserva, macarrones, paquetes de cigarros, excrementos, etc. Así es fácil acabar llamando "arte" a cualquier cosa.
d) la consagración de lo efímero, sólo la sociedad actual ha convertido la circulación acelerada de objetos, su caducidad y aniquiliación en base del propio orden social. El arte o escapa a esta tendencia.
e) la vocación nihilista de la "cultura" contemporánea: desde las grandes revoluciones modernas el camino colectivo ofrece el aspecto de una carrera desenfrenada por destruir cualquier referencia estable, sólida.
f) la sintonía con un poder concebido como SUBVERSIÓN. Este "arte" se corresponde con un poder que se enmascara tras el discurso del cambio permanente, de la mutación como progreso.
g) el naufragio de la subjetividad del artista. Si el arte es expresión, ergo, comunicación, hoy el artista es incapaz, por sublimación de su subjetividad, de hacerse entender.
h) la obliteración absoluta de la pregunta por la belleza. Nadie considera la clásica convención que atribuía al arte la misión de aprehender la belleza; que incluso se considera, ahora, algo retrógado y perverso.
Aún hay quien confunde VALOR con PRECIO. Les dicen que por tal "obra de arte" pagaron cientos de miles o millones de euros y lo consideran una obra de arte sin otra razón o argumento que un precio subjetivo, ficticio.
Y habría que considerar también que estas "obras de arte" son un refugio seguro para blanquear dinero, al ser piezas únicas, difícilmente valorables (con precio voluble) permiten blanquear sumas ingentes de dinero. No recuerdo ahora exactamente quién era, pero cuando andaban investigando la n-enésima trama de corrupción política, uno de los implicados tenía en el baño (según la bobalicona prensa sensacionalista) no se qué "obras de arte" en el baño.
Pues lógicamente, eran una prueba más de blanqueamiento de dinero, pero de eso nadie habló.
Resulta gracioso que los de RT manejen con un tono tan solemne esta noticia que en realidad demuestra que el artista que hizo esta “obra maestra” era, con mucho, mejor comediante.
;)
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Encuentran dos cuadros desconocidos detrás del famoso 'Cuadrado Negro' de Malévich
Publicado: 12 nov 2015 15:04 GMT | Última actualización: 13 nov 2015 12:45 GMT
Expertos rusos han revelado que detrás del famoso cuadro de Malévich 'Cuadrado negro sobre fondo blanco' se esconde toda una historia que desconocimos durante un siglo.
'Cuadrado negro sobre fondo blanco' o simplemente 'Cuadrado negro' es uno de los cuadros más famosos del pintor ruso Kazimir Malévich. Cien años después de la realización del cuadro, los expertos rusos revelan datos sorprendentes de la obra: detrás del cuadrado oscuro se esconden dos cuadros en color y una inscripción, informa el canal ruso Kultura.
Los expertos de la moscovita galería Tetriakov, un museo ruso de bellas artes, han descifrado la inscripción que se escondía detrás del cuadrado oscuro. Aunque la letra del pintor es difícil de leer, señalan que la frase dice "Combate de negros en una cueva, durante la noche". Ello hace referencia, aseguran, a otro cuadro parecido que tiene 22 años más que 'Cuadrado negro' y es obra del escritor y humorista francés Alphonse Allais.
https://esp.rt.com/actualidad/public...fd478b458a.jpg
La exibición 'Kazimir Malevich' en San Petersburgo, 2013/Reuters/Alexander Demianchuk
En lo que se refiere a los dos cuadros en color, los expertos afirman que, gracias a una inspección con rayos X y microscopio, se ha revelado que uno de ellos pertenece al cubofuturismo y el otro al proto-supermatismo, según la misma fuente.
Los críticos del arte aún no han llegado a asimilar toda la importancia del descubrimiento. Sin embargo, los pintores ya lo han hecho: la Academia de Artes de Rusia ha abierto una exposición dedicada al 'Cuadrado negro' en la que participan los más famosos pintores actuales.
¿Cuál es la importancia del nuevo descubrimiento?
'Cuadrado negro' es una de las obras más mitologizadas del arte del siglo XX. La obra, que admite numerosas interpretaciones, es el símbolo y la representación estética de los pintores de toda una época. Puesto que el mismo Malévich no dio respuestas claras sobre el significado de su cuadro, algunos investigadores han pensado hasta en posibles significados místicos y sobrenaturales. Incluso en una exposición que tuvo lugar en 1915 en San Petersburgo el cuadro ocupó una esquina especial de color rojo, en un lugar donde se colocaban los iconos en las casas rusas, detalla Gazeta.ru.
Asimismo, el descubrimiento deja a los expertos desconcertados: el hallazgo es importante para la historia de la obra del pintor, pero sigue sin aclarar el sentido del cuadro. Sin embargo, la referencia al cuadro de Allais nos permite tomarnos la historia de una manera menos seria.
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Fuente:
https://actualidad.rt.com/cultura/vi...-sorprendentes
:muchagracia:Cita:
Aunque la letra del pintor es difícil de leer, señalan que la frase dice "Combate de negros en una cueva, durante la noche”…
El anti-arte de lo absurdo
11 DE DICIEMBRE DE 2011 - 20:24
http://identidadytradicion.blogia.co...rteabsurdo.jpg
Siempre recordaré la primera vez que fui a una exposición del llamado “arte moderno”. Me encontraba estudiando en mis primeros años de facultad, en la biblioteca de una conocida fundación bancaria, y en ese mismo edificio se podía visitar gratuitamente una importante exposición de arte moderno que había pasado por las principales ciudades de Europa. Del nombre de los principales y “conocidísimos” supuestos “artistas” -creo que norteamericanos-, ni me acuerdo, ni quiero acordarme. El caso es que, mitad por curiosidad-hasta entonces el fenómeno del arte moderno, pese al IVAM, me había sumido en la más profunda indiferencia-, mitad por tener una excusa por abandonar temporalmente los apuntes de Derecho Civil, me acerqué a la renombrada exposición escultórica-pictórica tan anunciada, promocionada y aconsejada en los círculos culturales y universitarios de la ciudad.
Nada más entrar llamaba la atención por estar en el medio de la sala, una enorme escultura iluminada desde un potente foco en el techo, consistente en una especie de balón negro y un cilindro rojo pegado al balón. Al principio no sabía muy bien si se trataba de un mero efecto”decorativo” o de parte de la exposición, pero pronto vi la consiguiente ficha explicativa. Me negué a leerla. El resto de la exposición consistía en cuadros de un solo color, o como mucho con manchas, o con una sola mancha, o sin lienzo y con una llave en medio, trozos de madera pegados, hierros retorcidos y oxidados y cosas por el estilo. También, y para completar el panorama había una sección dedicada el mal gusto, donde se podía contemplar desde un Jesús crucificado con orejas de burro, seres monstruosos-y permítanme la licencia-pésimamente dibujados en pleno coito con... creo que burros, y más cosas de las que prefiero no acordarme, y por supuesto, dejar de horrorizar al sufrido lector.
Me fui de allí profundamente asqueado y sin terminar de visitar aquella especie de sala de los horrores, créanme, con ganas de volver al maravilloso Derecho Civil. La conclusión que saqué era la de preguntarme qué especie de mente perturbada puede crear tales chorradas, quién puede pensar que eso sea arte, y por qué una importante fundación bancaria apoyada por las instituciones culturales y educativas oficiales promueve, subvenciona y fomenta esta porquería amorfa que se ha dado en incluir en el llamado “arte moderno”. Había podido comprobar que a los demás compañeros de estudios que habían pasado por allí les había parecido también una muestra de degeneración sin ningún sentido, y a excepción de algún que otro payaso snob, cursi, moderno y, permítaseme la palabra, gilipoyas, que presume de encontrar sentido y explicación a lo que no lo tiene, creo que cualquier persona normal con un mínimo de sentido de la belleza y de la estética coincidiría con la posición de rechazo de los que esa tarde estuvimos allí.
A partir de esa tarde, empecé a descubrir este tipo de “muestras”, por llamarlas de alguna manera en otros campos antaño ocupados por el Arte, desde la música, que nos había llagado a los de nuestra generación profundamente degenerada sin apenas percibirlo, a la arquitectura urbana pasando por el cine, la literatura barata y sexista, teatro e incluso-y esto es bastante terrorífico- a los dibujos animados. Todos hemos visto orejas gigantes con patas que van persiguiendo a pequeños monstruitos con un solo ojo y dos pelos dibujados a un solo trazado y montados en un teléfono rosa. Cualquiera que entre en la ciudad de Valencia desde Alicante puede ver en su máximo apogeo una de las principales muestras de arte urbanístico valenciano, me refiero a la fuente conocida por los valencianos como “la pantera rosa” que consiste en una especie de torre metálica oxidada de unos veinte metros de altura acabado en una especie de plataforma cuadrada de la que sale un cilindro por donde cae un chorro de agua a una especie de piscina rodeada de balones de plomo. No sé muy bien qué significa, porque me niego a creer que se trate de un monumento a la conocida homónima rosa, pero una cosa sí se, es fea, absurda y está oxidada, y la modesta fuente a la que sustituía era mucho más bonita, sencilla y popular, y además no imitaba a ningún dibujo animado americano. Pues bien, esta maravillosa obra fue encargada por la autoridad municipal y por ella pagamos muchos millones.
La conclusión que saco de todo esto, es el interés por parte del poder, de ir ignorando paulatinamente el verdadero Arte-por otra parte imposible de ignorar-, para fomentar un figurismo que solo puede expresar desorden, anti-belleza, desarraigo, mestizaje, caos... es decir lo absurdo: el anti-Arte.La Historia nos enseña que todas las civilizaciones y sistemas políticos caen tarde o temprano dejándonos ciertas muestras del carácter de las mismas precisamente mediante sus obras artísticas, ahí tenemos Roma, Grecia, la Viena imperial, los castillos medievales, las catedrales, el románico y el gótico, o muestras cinematográficas como las de Leni Riefensthal o esculturas como las de Arno Breker por poner sólo algunos ejemplos de sistemas esplendorosos definidos perfectamente por las muestras de expresión artística que nos legaron. Sin embargo cuando caiga este sistema en el futuro y surja otra civilización mejor, dejando aparte la destrucción que de la naturaleza y del entorno rural se ha realizado en los últimos cincuenta años, si nos tiene que juzgar por las muestras ideográficas que dejemos, se calificará a este sistema como caótico, anti-natural, absurdo y horrible. Quién sabe, a lo mejor los hombres del futuro tendrían razón.
E.MONSONÍS
El anti-arte de lo absurdo | Identidad y Tradición
El culto a la fealdad
Un fruto evidente de la apostasía de Occidente es la fealdad cultural. Guste o no, Europa se construyó sobre la fe en Cristo, y con el rechazo voluntario de esa fe ha crecido un odio por parte de los mismos europeos hacía toda la tradición cristiana. En definitiva, un odio hacía el mismísimo Dios, fuente de toda belleza, ha generado un gusto por la fealdad. Hasta que Europa se auto-destruyó en la Gran Guerra de 1914-18, toda su historia, sus tradiciones y su cultura bebían directa o indirectamente del cristianismo. Creo que fue a partir de de esta guerra, cuyos 100 años ahora que se conmemoran, cuando Europa optó definitivamente por rechazar a Cristo. Desde luego, fue un proceso que tardó su tiempo, pero fue gracias a esta contienda que la mentalidad revolucionaria, y por tanto anticristiana, logró contagiar a todo Occidente. Desde entonces la cultura moderna se ha degenerado hasta convertirse en un culto a la fealdad.
Este culto a la fealdad se manifiesta en diversas formas artísticas en las corrientes vanguardistas de la época inmediatamente posterior a la Gran Guerra. En la música, la Segunda Escuela Vienesa, liderada por Arnold Schoenberg, buscó una ruptura radical con el pasado. Su sistema dodecafónico fue un intento de crear una nueva música a partir de teorías matemáticas y filosóficas. Aún hoy en día hay músicos de renombre que defienden el dodecafonismo, pero en mi opinión lo hacen por puro esnobismo artístico. La realidad es que nadie soporta la música dodecafónica, cuyo efecto estético se podría comparar a una patada en la espinilla. El que quiera comprobarlo, que escuche esta pieza de Anton Webern. [1] Es un buen ejemplo de la artificialidad moderna; en lugar de cultivar formas artísticas que nacen y se desarrollan orgánicamente dentro de una cultura viva, una élite decide imponer unas normas a partir de sus teorías académicas, creando una brecha insuperable entre ellos y la gente normal.
http://adelantelafe.com/wp-content/u...1/dadaismo.jpg
La música llamada “culta” siguió por este camino esotérico que dictaba una élite cada vez más divorciada del mundo real. En cuanto a la música de las masas, a partir de los años ´50 el Rock and Roll arrasó una generación entera hacía el desenfreno y la pérdida de valores religiosos. [2] En general, la historia de la música del siglo XX se caracterizó por una búsqueda frenética de la novedad a toda costa, tanto en las estridencias de la música “culta” como en el Rock and Roll. Creo que es por esta razón que la música antirevolucionaria por antonomasia, la música tradicional, también llamada folclórica, entró en declive. La tragedia de los últimos 100 años en Occidente, a mi juicio, es la progresiva pérdida de la herencia musical tradicional de los pueblos. Cada año constato con tristeza que mis alumnos del conservatorio son incapaces de cantar alguna canción tradicional de su región. Sólo conocen las bandas sonoras de películas de Hollywood, la música de programas de televisión, o lo que cantan las estrellas del Pop.
La música tradicional es la que se transmite oralmente de generación en generación, y varía de una región a otra. Esta música fortalece el vínculo cultural entre todos los miembros de una misma comunidad y crea una identidad cultural que distingue su comunidad de otras. Exactamente lo contrario ocurre con la música Pop. Esta música cambia constantemente con las modas, por lo que cada generación se aficiona a un género diferente a la anterior, creando una brecha cultural intergeneracional. Además, la música Pop, promocionada por los medios de comunicación de masas, es la misma en cualquier lugar. Esto quiere decir que erosiona la identidad cultural de los pueblos, porque musicalmente ya nada distingue unos de otros. Cuando una tradición musical muere es casi imposible resucitarla. Desaparece para siempre parte de la identidad cultural de un pueblo, para ser reemplazado por bazofia extranjera. Es un empobrecimiento cultural realmente trágico, que sirve para avanzar la agenda del Nuevo Orden Mundial. Esta homogeneización de la cultura ocurre en casi todos los aspectos de nuestra vida. Los restaurantes donde se sirve comida local son sustituidos por hamburgueserías de franquicias americanas. Las modas locales en el vestir y los trajes típicos de cada región se sustituyen por lo que dictan cuatro diseñadores en Nueva York o París. Los bailes autóctonos ceden el lugar al vulgar contoneo discotequero. Hasta las lenguas de cada nación son invadidas por anglicismos.
En las artes plásticas también es fácil ver el culto a la fealdad . El arte decadente, el feísmo y el arte abstracto, beben de fuentes inquietantes. Uno de los principales ideólogos que inspiraron el nuevo arte modernista es Charles Baudelaire, un drogadicto degenerado cuyo magnum opus, Les Fleurs du Mal, es abiertamente una alabanza a Satanás. Otra influencia importante, sobre todo para el arte abstracto, es Helena Blavatsky, la fundadora de la religión esotérica mágica denominada teosofía. Con estas raíces no es de estrañar que el árbol del modernismo artístico creciera torcido desde el principio y diera frutos tan amargos.
Esta acuarela de 1911 es el primer cuadro abstracto:
http://adelantelafe.com/wp-content/u...ky-300x231.jpg
Su autor, Wassily Kandinsky, explica en su libro De lo Espiritual en el Arte, que este nuevo movimiento artístico se fundamenta en las teorías de Blavatsky, la Doctrina Secreta, como él lo llama. Piet Mondrian, otra figura importante del arte abstracto, también era adepto a la teosofía:
Mediante la teosofía me di cuenta de que el arte podía ofrecer una puerta hacía otras dimensiones más altas, que llamaré el reino espiritual.http://adelantelafe.com/wp-content/u...8_Mondrian.jpgUn cuadro de Mondrian de 1930
El dadaísmo, la expresión artística del ateísmo y el nihilismo y la primera manifestación de la fealdad como principio estético, surgió durante la Primera Guerra Mundial. En décadas anteriores Friedrich Nietzche, el gran profeta del ateísmo, había abogado por la fealdad en las distintas expresiones artísticas:
Se ponen límites demasiado estrechos al arte cuando se le exige que sea sólo el vehículo de expresión del alma regulada y equilibrada. Al igual que en las artes plásticas, hay en la música y en la poesía un arte del alma fea, junto al arte del alma bella. [3]La figura más representativa del dadaísmo, Tristan Tzara, un marxista judío de origen rumano, utilizó el arte como una pieza más en la Revolución. Si bien tuvo un éxito limitado en su momento, su influencia posterior ha sido enorme, como por ejemplo en el Pop Art de Andy Warhol de los años ´60. Así es como ArteEspaña.com define el dadaísmo:
El Dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección. Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación … Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor.http://adelantelafe.com/wp-content/u...da-224x300.jpgPicasso, Mujer sentada, 1927
Quien tomó el relevo en este rechazo a la belleza artística fue el comunista español Pablo Picasso. Picasso llevó a nuevos extremos la deliberada distorsión del cuerpo humano. Satanás odia el cuerpo del hombre porque está hecho a la imagen de Dios, es “templo del Espíritu Santo”, y porque la segunda persona de la Santísima Trinidad quiso hacerse hombre. Por estas razones es natural que los artistas bajo la influencia del Demonio representen a los hombres como si fueran bestias repugnantes. Sir Herbert Read, posiblemente el crítico de arte más influyente de su tiempo, afirmó que Picasso pintaba en un estado de trance, para poder conectar con el “subconsciente colectivo”. El caos, tan presente en todos su cuadros, me indica que Picasso fue un hombre gravemente desequilibrado, como mínimo. Personalmente creo que en sus trances el pintor conectaba con algo mucho más siniestro que el subconsciente colectivo (si es que tal cosa existe). Creo que conectaba con los espíritus malignos del Infierno.
Picasso también fue el pionero del artista charlatán. Se hizo inmensamente rico y famoso en vida, gracias en gran parte a su habilidad para vender sus ocurrencias artísticas al público, lo que hoy llamaríamos marketing. Hoy el arte contemporáneo se ha convertido en una gran farsa, donde lo único que prima es la promoción de los “artistas”. El que sepa hacerse un nombre entre la gente influyente vende sus creaciones por millones de dólares, irrespectivamente de su calidad estética. El producto artístico es irrelevante; se vende y se compra una firma, como si fuera una acción en la bolsa. Por esta razón laTate Gallery de Londres compró y exhibió este montón de ladrillos del “artista” Carl Andre.
http://adelantelafe.com/wp-content/u...re-261x300.jpg
Es por la misma razón que Damien Hirst, cuya obra más conocida es este tiburón en una solución de aldehído fórmico, ha ganado unos 500 millones de dólares vendiendo lo que cualquier persona mínimamente sensata sabe que es basura. ¡Qué bonito es el traje del emperador!, dicen los gurus del arte contemporáneo, y todos los tontos útiles se preguntan (sin atreverse a decir nada) porqué no lo aprecian como deberían.
http://adelantelafe.com/wp-content/u...rk-300x108.jpg
Los soviéticos fueron los pioneros en crear monumentos abstractos gigantes que afeaban el espacio público, una moda que hoy en día se ha extendido por el mundo entero. Aunque los gobiernos liberales occidentales se gasten fortunas en construir mamotretos horripilantes, en mi opinión los antiguos monumentos soviéticos aún los superan. Vean por ejemplo esta monstruosidad de la antigua Yugoslavia:
http://adelantelafe.com/wp-content/u...soviet-art.jpg
Murcia, la ciudad en la que vivo, tiene un número desproporcionado de esculturas gigantes de este estilo. De hecho, Murcia es sin duda la ciudad con más esculturas feas por metro cuadrado de España. Sus políticos creen que al gastar el dinero de los murcianos en basura moderna (¡una basura muy cara!) han elevado el nivel cultural de la ciudad, cuando lo único que han hecho, aparte de cabrear a mucha gente, es demostrar lo paletos que son y el pésimo gusto estético que tienen. Para deleite de mis lectores ofrezco una selección de las esculturas más feas de Murcia, todas erigidas en los últimos 10 años:
http://adelantelafe.com/wp-content/u...1a-300x151.jpgUna araña multicolor
http://adelantelafe.com/wp-content/u...come-cocos.jpgUn come-cocos gigante que “sólo” nos costó 200.000€
http://adelantelafe.com/wp-content/u...dama-elche.jpgEl casco de Darth Vader en pleno centro de la ciudad
http://adelantelafe.com/wp-content/u...ura-basura.jpgEl monstruo de la chatarra
http://adelantelafe.com/wp-content/u...-religiosa.jpgUna mantis religiosa de 20 metros de altura
Aparte de la evidente fealdad de estos “monumentos”, llama la atención su absoluta vacuidad; no significan ni representan nada. En este sentido son un fiel reflejo del régimen liberal que padece Europa entera, verdadero heredero del marxismo cultural. Al rechazar a Jesucristo, al dar la espalda a las tradiciones de nuestros ancestros, se ha caído en el más absoluto nihilismo. El único consuelo que me queda es pensar que estos atentados estéticos se perpetran contra el pueblo.
Christopher Fleming
El culto a la fealdad - Adelante la Fe
Otra más
:)
Una mujer de la limpieza tira una obra de arte contemporáneo a la basura
Estaba formada por varias mantas térmicas de supervivencia, de apariencia muy parecida al papel de aluminio, arrugadas y desperdigadas por el suelo que simbolizaban «los escasos medios con los que se lucha en los rescates en alta mar»
http://www.abc.es/media/ciencia/2016...o--620x349.jpg
La obra de arte que fue destrozada sin querer - rtlnext.rtl.de
ROSALÍA SÁNCHEZ- Berlín - 04/02/2016 a las 08:58:37h. - Act. a las 10:09:30h.Guardado en: Cultura , Arte
La guerra silenciosa que las mujeres de la limpieza alemanas parecen haber declarado al arte contemporáneo acaba de anotar otra batalla a favor de las primeras. El destrozo ha tenido lugar esta vez en la iglesia evangélica Philippuskirche de la ciudad de Mannheim, donde una encargada del aseo del templo ha tirado a los contenedores de residuos buena parte de la instalación titulada «Vivienda 6/2016», con la que la artista Romana Menze-Kuhn trataba de llamar la atención sobre el drama de los refugiados. El padre Gerd Frey-Seufert ha disculpado a la atacante explicando que «no identificó que se tratase de una obra de arte y se limitó a cumplir con lo que creía que era su trabajo», al tiempo que ha descartado cualquier trasfondo de xenofobia; «en absoluto, sencillamente pensó que era basura y actuó en consecuencia».
La obra de arte en cuestión consistía en varias mantas térmicas de supervivencia, de apariencia muy parecida al papel de aluminio, arrugadas y desperdigadas por el suelo, delante del altar, con las que la artista pretendía simbolizar «los escasos medios con los que se lucha en los rescates en alta mar». «Las partes de la instalación que faltan simbolizaban para mí las personas que necesitan ayuda, que viajan en busca de protección y una nueva casa, una nueva vida, también en el seno de la iglesia», ha declarado Menze-Kuhn, que por otra parte ha reaccionado con resolución y pragmatismo.
La artista ha reconstruido parte de la instalación, ha añadido un contenedor de basura con parte de la obra anterior en su interior, la ha titulado “Vivienda 6a/2016” y puede ser visitada hasta el 14 febrero. «Al principio quedé bloqueada, estaba claro que el destrozo impedía la reconstrucción de la obra, pero después entendí que podía integrarlo en ella», ha declarado la artista, que reside en Eschborn, Hesse, y que afirma que «sigo sin entender cómo ha podido pasar». «Estoy muy enfadada», ha reconocido, «uno puede pensar lo que quiera de una obra de arte, pero intervenir así es una gran falta de respeto y me ha indignado».
No es la primera vez que una obra de arte contemporánea sufre una agresión en Alemania por parte del personal de mantenimie0nto. En 2011, la instalación «Wenn es anfängt durch die Decke zu tropen» (Cuando empieza a gotear el techo) del artista Martin Kippenberger (1953-1997), valorada en 800.000 euros, fue víctima de la fregona de una señora de la limpieza del Museo Ostwald de Dortmund. Este incidente ocurrió después de que en diciembre de 2010 un visitante se cayese dentro de otra obra, titulada “El espíritu de la luz» y realizada por Otto Piene.
En el más reciente caso de Mannheim, al igual que en los anteriores, la responsable de los destrozos no sufrirá consecuencia alguna. La iglesia Philippuskirche ha decidido correr con los gastos ocasionados, que prefiere no concretar, y no establecer sanción alguna contra la señora de la limpieza. «Lo que ha pasado ya ha sido suficientemente vergonzoso para ella», ha zanjado el padre Gerd Frey-Seufert.
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Fuente:
Una mujer de la limpieza tira una obra de arte contemporáneo a la basura
Somos lo que somos
Somos lo que pensamos y somos lo que hacemos. Sobre estos principios, entre los católicos de formación clásica, en general no hay dudas. Sin embargo, esta caracterización es incompleta. Somos muchas cosas más. En esta este artículo quisiera proponer una reflexión a partir de algunas consideraciones de John Senior. Lo que postulo es que nos convertimos no solamente en lo pensamos o en lo que hacemos, sino también en el trabajo que nos ocupa, en la ropa que usamos o que no usamos, en las casas en las que vivimos, el paisaje que contemplamos, lo que registramos más o menos conscientemente todos los días por la vista, los sonidos, los olores, gustos y tactos de nuestra vida de todos los días.
Veamos el ejemplo de las casas que habitamos y de los diseños de los arquitectos modernos. El movimiento arquitectural moderno surgió en Alemania a principios del siglo XX y se desparramó por el mundo en la década del ’20 y del ’30, por obra de los refugiados judíos durante el nazismo de la Bauhaus, una construcción experimental de Berlín, diseñada y construida por los marxistas, antes de la llegada de los nazis al poder, para una comunidad obrera revolucionaria; una especie de kibbutz comunista. El propósito era lograr que quienes lo habitaran vivieran de acuerdo a la doctrina marxista.
Esta idea, que combinaba el funcionalismo a expensas de la belleza y propiciaba, por la ideología marxista, una suerte de comunitarismo, inició la actual moda de casas que son cubos con grandes ventanales y vacíos, desprovistos de todo, aún de paredes interiores. Vivir en un loft es muy top, y muy top también es tener una casa donde la cocina esté unida al comedor de diario, al comedor y al living. Todo en un solo y enorme ambiente que, mientras más grande, luminoso, blanco y despojado sea, más top se sentirá el dueño y más creativo el arquitecto.
Más allá de que a mi, por mi limitada inteligencia, me cueste ver dónde radica la creatividad de diseñar cubos, hay algo un poco más profundo que vio y señaló Homero, cuando, al describir a los cíclopes, que eran salvajes caníbales, solamente dice “Ellos viven sin murallas”. Para los griegos, vivir sin murallas o paredes protectoras de la vida y de la intimidad cotidiana de la familia y del individuo, era signo suficiente de la barbarie más detestable. Las casas sin paredes divisorias de los espacios y de las diferentes actividades de la vida familiar, se asemejan a las moradas de los cíclopes.
Pero volvamos a la idea del comienzo. Las apariencias -la casas en las que vivimos, la ropa que usamos, el lenguaje con el que nos comunicamos, los modales con los que comemos- no son solamente signos de la realidad sino que, en cierto sentido, son como sacramentos, ya que causan lo que significan. Hay una estrecha conexión entre todo esto, dice Senior, y el desarrollo moral y espiritual de nuestras almas. Es ridículo pero no menos verdadero que aquellos que abandonaron la distinción entre dedos y tenedores encontrarán difícil mantener la distinción entre afectos y sexo, o entre el derecho sobre el propio cuerpo y la muerte de un niño. Si se come papas fritas con los dedos todos los días, se está en el camino correcto hacia la morada de los Cíclopes.
Las acciones semiconscientes y cotidianas que se ubican bajo la categoría de los buenos modales -insisto, el buen modo de hablar, de reír, de comer, de dirigirse a los demás o de vestir, por ejemplo- son el terreno sobre el cual crece la moral, y la moral, a su vez, es el suelo fértil en el que se desarrolla la vida vida espiritual. Somos criaturas de hábitos. En el orden moral y espiritual, hay una asimilación progresiva entre el modo de vestirnos y nosotros mismo -el monje hace al hábito-, y lo mismo sucede con nuestros modos de comer y con nuestro trabajo.
Este es el secreto de la Regla de San Benito que, en sentido estricto, reguló la vida de los monasterios y, en sentido amplio, a través de la influencia y ejemplo de los monasterios, civilizó Europa. El hábito de los monjes, las campanas, la vida ordenada, la “conversación”, la música, los jardines, la oración, el trabajo duro y los templos bellos y dignos, todas estas formas accidentales e incidentales, conformaron la vida moral y espiritual de los cristianos en el amor a María y a su Hijo.
The Wanderer
06/02/14 - 17:20
"El arte contemporáneo es un fraude"
La crítica mexicana Avelina Lésper denuncia la especulación y la burbuja económica, como lo fue la inmobiliaria, de obras que "carecen de valores estéticos".
Por SÍLVIA COLOMÉ
La Vanguardia
http://images.clarin.com/rn/arte/San...206_0185_4.jpg
CUESTIONADO. Módulos de heces humanas de la India (2005-2006), la obra de Santiago Sierra. Vista de la instalación en Lisson Gallery (Londres).
No fueron pocos los que se identificaron, hace un par de años, con aquella mujer de la limpieza de un museo alemán tan celosa de su trabajo que se empleó a fondo para eliminar unas terribles manchas que había en una de las obras expuestas. Ni se le ocurrió sospechar que formaban parte vital de la pieza Wenn es anfängt durch die Decke zu tropen (Cuando empieza a gotear el techo) del artista Martin Kippenberger, valorada en 800.000 euros. El Museo Ostwald de Dortmund (cuyas primeras entradas en Google son sobre el suceso, superando a su web oficial), llegó a afirmar que "estamos intentando aclarar cuanto antes qué tipo de capacitación tiene el personal de la limpieza".
La crítica de arte mexicana Avelina Lésper diría que esa pobre trabajadora, además de un gran sentido de la pulcritud, tenía también un gran sentido común. Lésper, colaboradora de diferentes medios de comunicación latinoamericanos y directora del programa de televisión El Milenio visto por el Arte, es una de las voces que más suenan contrarias al arte contemporáneo, cuestionando desde los ready-made (el uso de objetos comunes como el urinario de Duchamp) a las performances efímeras.
-¿Cómo definiría el arte contemporáneo en una palabra?
-Fraude
-Explíquese…
-Carece de valores estéticos y se sustenta en irrealidades. Por un lado, pretende a través de la palabra cambiar la realidad de un objeto, lo que es imposible, otorgándoles características que son invisibles y valores que no son comprobables. Además, se supone que tenemos que aceptarlos y asimilarlos como arte. Es como un dogma religioso.
-¿Y por otro lado?
-También es un fraude porque está sostenido nada más que en el mercado, que es fluctuante y artificial en la mayoría de los casos. Se otorgan a las obras valores artificiales para que pienses: “si cuesta 90.000 euros es porque debe ser arte”. Estos precios son una burbuja, como existió la burbuja inmobiliaria.
-¿Y pinchará?
-Se tiene que pinchar. Una torre de papel sanitario de Martin Creed cuesta 90.000 euros. El objeto no es lo importante, sino lo que tú puedes demostrar económicamente a través de su compra.
-¿Y no pueden comprar Murillo o Picasso?
-No puedes especular con pintura antigua porque hay muy poca. En cambio, este tipo de obras se realizan en minutos, algunas se hacen en fábricas.
-¿No se podría especular con obra actual con valores estéticos?
-El arte toma tiempo. No hay manera de que Antonio López termine un cuadro… Por una parte, debes esperar a que el pintor o escultor haga sus obras. Por otra, el arte necesita talento, que el artista tenga algo que mostrar a través de su obra. Con el arte contemporáneo los artistas no necesitan tener nada.
-¿Puede poner algún ejemplo?
-Cuando Duchamp hizo su ready-made evitó a todos los artistas el proceso intelectual. Cualquier objeto es arte, el que sea. Bajo este punto de vista, imagínate la cantidad de obras de arte que tú tienes. Todo tu entorno es factible de convertirse en arte. No tienes que esperar que ese artista se forme, demuestre su talento y que acabe aportando algo, lo que es terriblemente difícil. Otro ejemplo es Santiago Sierra con sus ready-made. Te dice: “Esto es un contenedor de mierda de la India”. ¡Qué impresionante!
-Como mínimo piensan la definición…
-El crítico Arthur Danton dijo: “dejen que los filósofos pensemos en la obra, ustedes traigan sus objetos”. Si pones como tema el contenedor de mierda, ya llegará el curador que elabore el discurso y te hable de la miseria, de las últimas castas que recogen la mierda… hay toda una justificación social y moral. Si manifiestas que eso carece de valores estéticos, automáticamente te dicen que estás en contra del mensaje social. Es un arte chantajista, también. Utiliza este tipo de discursos para que lo aceptes como arte. Si no lo aceptas, o estás en contra de él o eres un ignorante.
-La denuncia social se ha ido haciendo a lo largo de la historia del arte…
-Se ha dado, pero no como valor de la obra. Los Fusilamientos del 3 de mayo de Goya valen por la realización artística, porque su pintura fue trascendental y profundamente moderna en su momento. Y sigue siendo moderna ahora. Por eso vale una pintura de Goya, no por el discurso.
-¿Se está confundiendo el arte con el mensaje?
-Ahora el arte solo es mensaje. No hay arte, solo hay panfletos. Estas obras no pueden existir sin los museos. Las obras, paradójicamente, se ven mejor en el catálogo que en vivo. Y ya no digamos con los artistas performance, que solo tienen el registro fotográfico de lo que hacen porque dicen que es efímero, aunque lo repitan 700 veces. Son obras que solo existen en los catálogos y a través de los discursos y la teoría que le ponen los comisarios y especialistas en estética. Son objetos de lujo, una nueva forma de consumo.
-A la mayoría de gente de a pie no le gusta el arte contemporáneo porque le resulta difícil de entender…
-Es que no hay nada que entender. Es un arte que te exige asimilarlo y no discutirlo, por eso también es dogmático. Te exige fe, que creas en él, no que lo comprendas, como las religiones. Quiere someter nuestro intelecto. Todo el tiempo quien se equivoca es el espectador, el artista y la obra es infalible. Si tú dices que carece de valores estéticos, de inteligencia, que no te propone ni aporta nada, entonces te dicen que eres un ignorante.
-¿Quién decide qué es arte?
-Es una decisión arbitraria que se toma entre las instituciones, los museos, las universidades… Es un arte de la academia. Eso de que es independiente y libre es mentira.
-¿Está subvencionado?
-Totalmente, no puede vivir sin las subvenciones del Estado. Es un arte parasitario. La mayoría de los artistas contemporáneos viven del Estado.
-¿El público no pinta nada?
-No. Por eso es demagogia pura que digan que este arte tiene intenciones sociales y que manifiesta intenciones morales. Rechaza a la gente, que para ellos es ignorante. Este arte no vive de la gente, vive de las instituciones y la especulación.
-¿Podríamos decir que Refleja la sociedad actual?
-Es muy diferente reflejar que denunciar. Ellos parasitan la sociedad en la que viven, la refleja mejor Madoff. Ambos son parte de una misma mentira social que ha creado el capitalismo a través de la especulación económica. El arte contemporáneo es parte del fracaso capitalista.
-¿Estamos huérfanos de arte?
-Sí, porque no hay espacio para los artistas que sí están creando. ¿Qué muestra el Macba aunque esté vacío? En España hay muchos centros de arte contemporáneo que nacieron a la par que la burbuja inmobiliaria, para que te des una idea de cómo está el asunto. ¿Qué te puede aportar Jeff Koons que imita objetos de feria o cualquier ready-made? Ellos han hecho del material la obra. Ahora para decir guerra ya no tienes que pintar los fusilamientos, ahora escribes la palabra guerra en un letrero. Eso es no tener pensamiento abstracto. Jamás el arte se había despojado tanto de las metáforas… El problema es que se está acabando con una capacidad cognitiva.
-¿Nos quieren tontos?
-Exactamente. ¿Y sabes por qué? Eso tiene detrás de sí lo más pedestre que te puedas imaginar, el dinero. Por eso es también un fracaso del capitalismo. Todo lo que se ha hecho por dinero en estas dos últimas décadas ha hecho un daño enorme a la Humanidad. Por dinero se destruyó la economía de Europa, la de Estados Unidos, tenemos el narcotráfico en América Latina… y por dinero están destruyendo el arte.
-¿Alguna buena noticia vinculada al arte?
-(Ríe). Pues que nos hemos dado cuenta, no estamos ciegos ante esto. Los que pintan ahora con maestría y técnica son los contrarrevolucionarios. Y esta resistencia inteligente y creativa es la que va a alimentar el arte
-¿Estos artistas no son vendibles?
-Claro, pero las galerías necesitan que estén amparados por las instituciones. Cuando el Reina Sofía dejó de comprar a Arco, Arco se fue a la quiebra.
-El Reina Sofía dejó de comprar a Arco y empezó a exponer Picasso…
-...Y a Goya, para que la gente vaya…
-¿Esto sería el inicio del cambio?
-Exactamente. Llega un momento en que las instituciones van a tener que escuchar a la población y dejar de trabajar para los intereses privados.
-¿Qué piensa de artistas españoles contemporáneos como Tàpies o Barceló?
-Barceló tiene unos dibujos y unas acuarelas sensacionales. Tàpies está sobrevalorado. Surgió porque el arte español empezó a verse huérfano de creadores y fue la oportunidad de encumbrar a un tipo como Tàpies, con un lenguaje y una creación limitadísima.
-¿Ve mal el arte español?
-Lo del arte español es un fenómeno de análisis. Fue la cúspide del arte mundial, tuvo creadores que aportaron como nadie y ahora los artistas simplemente no existen. Y la crítica española está entregada y sumisa al sistema. ¿Cuándo España se dará cuenta que ha perdido su sitio en el arte?
-No es el único sitio que ha perdido…
-Pero es un factor muy delicado. El arte no nos sacará de la crisis, pero aporta humanidad.
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Fuente:
"El arte contemporáneo es un fraude"
“Arte y contra-arte”
En los años 30, Luis Buñuel, en una exposición en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife, presentó como original obra de arte un burro muerto. Al tercer día el animal empezó a descomponerse y a heder pero el público acudía igualmente a contemplarlo. Hoy este tipo de extravagancias ya no son una excepción sino que más bien parecen ser la norma, y la condición de éxito, en muchas exposiciones artísticas. Quizá la única diferencia, respecto a la época de Buñuel, reside en que la capacidad del público actual para escandalizarse está algo más que saturada. Ello lleva a que aquellos que quieren obtener el reconocimiento del público busquen afanosamente motivos de escándalo cada vez más fuertes en sus obras.
https://barraycoa.files.wordpress.co...pg?w=197&h=207
Al tercer día el animal empezó a descomponerse y a heder pero el público acudía igualmente a contemplarlo.
Tradicionalmente el artista buscaba un asombro que extasiara al espectador y le llevara a la contemplación de “lo bello”. El artista contemporáneo, sin embargo, pretende sorprender escandalizando y parece que el camino para conseguirlo es generando obras feas, morbosas y transgresoras. Un rápido repaso al pensamiento clásico nos descubriría lo alejado que está el arte actual de lo que muchos pensadores acotaron como arte. En el mundo clásico, el arte se define a través de conceptos como armonía (equilibrio en el que las partes se subordinan al todo); cosmos (orden bello); canon (búsqueda de las leyes del arte para que la obra sea reconocida socialmente); genio en cuanto artesano (dominador de una técnica); luz y esplendor (manifestación de la belleza espiritual); sublimidad (representación material de la belleza divina); eternidad y buen hacer (tanto en los materiales usados como en los contenidos).
Por el contrario, el arte de nuestros días ha tomado la senda de una auto-definición basada en: la ausencia de belleza y armonía (las obras de arte ya no han de ser necesariamente bellas); la reducción del arte a la intencionalidad del artista (es obra de arte lo que el artista quiere que sea obra de arte), por tanto, el rechazo del canon; la originalidad como único principio rector (entendiéndose por originalidad la ausencia de principios rectores en el arte) o la autodisolución (concretada en lo efímero de la obra de arte por definición).
https://barraycoa.files.wordpress.co...pg?w=210&h=207
Hegel afirmó que: “El arte ya no proporciona satisfacción de las necesidades espirituales. El arte ha perdido para nosotros su verdad y su vida”.
Algo ya debía pasar con el arte en el siglo XIX, cuando Hegel afirmó que: “El arte ya no proporciona satisfacción de las necesidades espirituales. El arte ha perdido para nosotros su verdad y su vida”. Mucho más recientemente, Jean Baudrillard, en su obra El complot del arte, parecía escribir el epitafio del arte: “La mayor parte del arte contemporáneo se dedica exactamente a esto: apropiarse de la banalidad, el despojo y la mediocridad como valor y como ideología”. Esta identificación del arte actual con la basura es sorprendente pues, en boca de René Köning, la revolución que inauguró el arte moderno, “fue de hecho una auténtica revolución cultural que barrió con una gran cantidad de basura del pasado”. Barrer basura con basura, curiosa situación de la cual parece que no podemos salir. ¿Qué queda del arte?, podemos preguntarnos, cuando las noticias que nos llegan de él estás simplemente referidas a escándalos mórbidos cada vez más frecuentes.
Javier Barraycoa (en Los Mitos actuales al descubierto)
https://barraycoa.com/2016/11/30/arte-y-contra-arte/
Cita:
Iniciado por Mexispano
Ahí se equivoca. El arte contemporáneo no es un fracaso del capitalismo, sino un gran triunfo: el consumismo adaptado al arte. Ella misma lo dice, se trata de un arte "efímero", por lo que el consumador de arte se ve obligado a comprar para consumir más.
Ni más ni menos.
¿20.000 años de evolución cultural para llegar a esto?
Javier Barraycoa
https://barraycoa.files.wordpress.co...1&h=339&crop=1
https://barraycoa.files.wordpress.co...0&h=339&crop=1
¿20.000 años de evolución cultural para llegar a esto?
Hay dos cosas que están claras: las pinturas rupestres fueron una de las primeras expresiones artísticas pictóricas del homo sapiens sapiens y que la fecha es tardía, muy tardía. Desde entonces el arte altura fueron evolucionando paralelamente, para dar un salto cualitativo hace unos 10.000 años cuando aparecían los primeros conatos de civilización acompañados del desarrollo del arte y el cultivo. La vida sedentaria y la agricultura pusieron los fundamentos de la cultura compleja, la aparición de las ciudades.
Y luego vendría la arquitectura, técnicas avanzadas y la búsqueda de la perfección en el arte. Las civilizaciones, en sus inmensas etapas temporales, creaban escuelas apoyadas en conocimientos anteriores. Cada paso se sentía como una superación, como una búsqueda de cánones más perfectos. Es verdad que todas tuvieron sus crisis y altibajos. De hecho el arte, siempre ha sido un sensor de estas catarsis.
Sin embargo, uno se pregunta si tanto esfuerzo colectivo durante miles de años ha valido la pena. Baste contemplar el dominante yoficial el arte actual; un “institucionalizado arte revolucionario” del que podríamos estar hablando hasta la saciedad, y no para alabarlo precisamente. Los síntomas de la enfermedad aparecieron antes, pero a partir de mediados del siglo XX eclosionaba la descomposición del arte occidental. ¿Cómo argumentarlo? Argumentos hay tantos, … lo único que requiere es no tener prejuicios para aceptarlos. Si la decadencia del arte es un síntoma de decadencia civilizatorio, ya es cosa de juicio particular.
Un ejemplo de esas primeras manifestaciones de disolución del espíritu artístico en Occidente, se nos ocurre, es la obra de Jean Dubuffet, titulada Triunfo y gloria (1950). Por sí misma no nos diría nada, excepto que el dibujante o era un infante o un adulto infantiloide. Pero si lo comparamos con las antiquísimas pinturas rupestres, parece que no se ha evolucionado mucho. Arriba exponemos unas pinturas rupestres de la baja California y a su costado la obra de Dubuffet. Intente adivinar cual es cual.
https://barraycoa.files.wordpress.co...eg?w=285&h=385Triunfo y Gloria de Jean Dubuffet (1950)
https://barraycoa.files.wordpress.co...pg?w=281&h=353Pinturas rupestres en la Baja California
https://barraycoa.com/2016/12/18/4071/
Los cuadros de Pierre Brassau (o cómo un mono le tomó el pelo al mundo del arte)
Los cuadros de Pierre Brassau (o cómo un mono le tomó el pelo al mundo del arte)
https://i.kinja-img.com/gawker-media...lucszgfrbi.jpg
Varios periodistas, famosos y críticos de arte se dan cita en una misma galería en 1964. Expone el enigmático artista Pierre Brassau, del que todo son alabanzas. Los críticos se vuelven locos y hablan de la “delicadeza de una bailarina en sus pinceladas”. Ocurre que Brassau no era Brassau, era un mono.
No descubrimos nada si decimos que el mundo del arte siempre estará en boca de todos, para lo bueno y para lo malo, para la crítica y para la alabanza. Ocurre también que muchas veces a uno le queda la sensación de que el arte, o eso que llaman arte, es una tomadura de pelo. Claro, hay que contextualizar y sobre todo “saber” para poder criticar una obra. Así que parto de la base de que soy un ignorante en según qué situaciones para entender lo que tengo delante. Es la misma fórmula que aplicamos para disfrutar de esa obra, pero ¿y valorarla?
Supongo que en esa misma tesitura se debe encontrar mucha gente. Y quizá también por esta razón lo ocurrido en la década de los 60 no hace más que arrojar piedras, no sobre el propio concepto del arte (del que evidentemente no se puede generalizar y es subjetivo), sino más bien de lo que lo rodea, de esa burbuja que se da en ocasiones y que con la historia del “gran” Pierre Brassau le saca los colores.
Mientras que la mayoría de piezas eran “pesadas”, la obra de Brassau no. Pierre Brassau pinta con trazos potentes bajo una determinación muy clara. Sus pinceladas se tuercen con una meticulosidad furiosa. Pierre es un artista cuyas piezas se llevan a cabo con la delicadeza de una bailarina de ballet…
Para ser honestos con la historia, sí que hubo un crítico, un solo hombre, que criticó con dureza la obra del pintor. En su exposición venía a tirar por tierra el trabajo de Brassau comparando la obra en los siguientes términos: “Sólo un mono podría haber hecho esto”.
Lo que este crítico de una revista sueca no sabía era que estaba en lo cierto. Brassau era un chimpacé. Y su nombre no era Pierre, se llamaba Peter.
Al poco tiempo salió a la luz la realidad y la verdadera identidad del artista que pintaba con delicadeza y cuyos trazos mostraban una gran determinación. Todo fue una gran broma e invención de Ake Axelsson, un periodista del diario local Goteborgs-Tidningen.
Al hombre se le había ocurrido la idea de exhibir el trabajo de un mono en una muestra de arte con el único fin de poner a prueba a los críticos. Axelsson contaría más tarde que se hizo la siguiente pregunta, ¿serían capaces de distinguir entre arte moderno y el arte de un mono?
Para llevar a cabo su plan acudió al zoo Boras de Suecia donde se encontraba el chimpancé Peter, un mono africano de cuatro años. Axelsson convenció al cuidador de Peter para pasarle pincel y pinturas al óleo y que este desarrollara su “técnica”. El periodista comentaba que al principio Peter se tragó algunas pinturas (especialmente el azul cobalto), pero con el tiempo comenzó a dibujar en los lienzos lo que Axelsson describiría como “manchas”. Arte de un mono donde destacaría ese azul cobalto que tanto le había gustado desde el principio.
Axelsson destacaba también cómo el mono tenía momentos de gran “creatividad”. Pasaba cuando Peter tenía un racimo de plátanos en la otra mano. Por tanto la comida de alguna forma aumentaba su nivel de inspiración. Tras varias “creaciones”, el periodista contaba con una serie de pinturas de las que acabó eligiendo cuatro, aquellas que consideró más “artísticas”.
Tras la elección acudió a la galería y aceptaron el reto. Al revelar días más tarde la verdadera identidad de Pierre Brassau, el afamado crítico Rolf Anderberg que había alabado el trabajo anteriormente se mantuvo en su idea. Anderberg insistió en que la obra de Pierre (o Peter el mono) “seguía siendo el mejor cuadro en la exposición”. No sólo eso. Durante la exposición y antes de revelar la gran broma, uno de los cuadros de Peter se llegó a vender al coleccionista privado Bertil Eklöt por alrededor de 90 dólares de la época (unos 500 dólares hoy).
Así fue como la fugaz estrella del avant-garde francés, el mono africano Peter, volvía a su rutinaria vida en el zoo sin saber que durante unos días se había convertido en un gran artista. Axelsson había acabado su experimento con una gran bofetada al mundo del arte. Y es que, quien sabe, quizá Banksy no sea Banksy.
Obras de 'Pigcasso' se venden a montones
Este singular hecho cuyo protagonista en un cerdo, causa admiración en el mundo...
https://www.youtube.com/watch?v=oLvNmMEGhlw
https://www.youtube.com/watch?v=oLvNmMEGhlw
Cita:
Iniciado por Mexispano
Sí, lo conozco. En una página que sigo, https://www.facebook.com/CEAMspain/, dicen con sorna y mucho razón, que la descripción de la página original que publicó lo del cerdo, AJ+ Español, lo decía todo: mejor que muchos artistas modernos. (Es decir, según Contra el arte moderno, pintan peor que los cerdos).
Otra cosa que no hay olvidar al ver estos surrealistas hechos, es que el tonto no es el que vende arte moderno (al contrario, ese es muy inteligente), sino el que lo compra.
Sobre la belleza y el amor
Uno de los siempre amables y caritativos anónimos que visitan el blog ha tenido el detalle de regalarnos la siguiente perla, que no me resisto a comentar:
http://www.srmni.com/noticias_img/DSC00580.JPG Estética de la capilla del R.M. en cuestión
“La belleza, toda la naturaleza está llena de belleza porque Dios nos ama. La belleza tiene relación con el placer con el amor. Todo es bello. Si quitas la belleza la gente entra en depresión. La belleza. Este seminario quiere utilizar la belleza como un instrumento de amor. Antes del Concilio aquí lo importante era el dinero, el dinero, el dinero, ser pobres, el dinero, todo era rácano, raquítico. En este seminario no. La belleza como instrumento del amor. Los seminaristas aquí se tienen que sentir queridos, amados, todos es bello, amados, llenos de amor. Si tú a un chico le tratas como un perro a palos después muerde, muerde, si le tratas con amor y con cariño amara (sic). Muchos seminaristas vienen aquí heridos con la familia destruida, el padre borracho, nunca fueron queridos. En el seminario van a ser amados, queridos, tienen un espíritu de amor, comen bien… Todo es bello, quisiéramos que todo fuera bello, no nos importa el dinero, es el amor lo que está en el centro.”(Kiko Argüello, agosto 2010, Nicaragua)
Si no me equivoco, el fragmento procede del discurso pronunciado con motivo de la inauguración de la capilla del seminario R.M. de Managua. Lo que no sé es si ese discurso tuvo lugar durante la Solemne Dedicación de la Iglesia del Seminario Redemptoris Mater en Honor a la Virgen María Nuestra Señora de Guadalupe.
Lo que sí puedo asegurar (porque se cuenta en la web del seminario en cuestión) es que ‘durante la eucaristía, Kiko Argüello, se tomó unos minutos para explicar el sentido de la corona mistérica. Explica Kiko como estas pinturas siguen el canon de la Iglesia de Oriente, que seguir un canon para las pinturas significa que es la Iglesia quien explica cómo se debe pintar los cuadros y no se deja a la libertad del pintor. “En la Iglesia de Occidente cada pintor lo hace como le da la gana: Leonardo, Frangelico, etc. Por ejemplo, la Anunciación, cada uno la pinta de forma diferente”. Kiko habla de la necesidad que tiene la Iglesia de Occidente de volver al canon pues no se puede continuar con el caos que se tiene hoy en día, donde no existe un orden establecido sino que cada iglesia tiene esculturas y formas propias.
http://4.bp.blogspot.com/-cWhGdosLF2...+RECORTADA.jpg La Piedad de un tal Miguel Ángel
Hizo referencia a la belleza que salva al mundo y cómo este seminario está intentando a través de la belleza, símbolo de Dios y por lo tanto del Amor formar sacerdotes capaces de amar y dar la vida por la evangelización’ (fin de la reseña).
Empecemos por lo fácil: La Iglesia de antes del Concilio. No hace falta señalar qué concilio, puesto que en el CNC sólo se conoce y se reconoce uno, los demás eran reuniones de pastores aburridos cuya fe no interesa a nadie y que no sirvieron para nada, según el profeta de Vallecas.
Reconozcamos que la Iglesia de antes del concilio era rácana y raquítica, tanto que llenó Europa de magníficas catedrales, de obras de arte inigualables, esculturas, cuadros, retablos, los mismos ropajes de los sacerdotes era arte puro. Lo más bello, lo mejor se destinaba a dar gloria a Dios. ¡Qué raquíticos!
http://2.bp.blogspot.com/_8wTTWmXC5G...enaDaVinci.jpg La última cena (pintada como a Leonardo le salió de la barba)
En cambio, después del concilio y en especial después de las experiencias místicas del profeta vallecano, que recibe la inspiración de cómo deben ser las capillas, los catecumeniums y esas cositas… ¡Esto ya es otra cosa! Frío, desangelado, desarropado, totalmente otra cosa, nada que ver con la errónea estética de Miguel Ángel, de Leonardo, de Frangélico, que se sacaban los cánones de la manga y así les salía lo que les salía: un reino de taifas, donde cada templo tiene su propia estética y sus propias esculturas.
http://www.leon.es/extfrontleon/img/...l_interior.jpg Catedral de León (dinero, dinero, pobreza, racanería)
Para empezar, en las capillas kikas no se admiten esculturas. Y esperemos que el papa Francisco, tan amigo de ‘la pastora’, pronto ponga en marcha la remodelación de esas fastuosas catedrales tan mal diseñadas y peor ejecutadas que hay por todos sitios, deben ser sustituidas por catacumeniums libres de estatuas, donde sólo se permitan iconos que sigan el canon de Kiko, este, de la Iglesia, o sea, lo que diga el profeta, porque la Iglesia debe reconocer las palabras de Dios en el profeta, que para eso lo es.
Lo de largar un rollazo sobre las pinturas que afean aún más la capilla durante la celebración de la misa, debe ser que está admitido en los estatutos esos que ha aprobado la Iglesia, a lo mejor es que los cristianos del siglo I intercambiaban noticias y recetas de cocina durante la eucaristía, en cuyo caso, hace muy bien Kiko en recuperar la tradición de nuestros padres en la fe.
http://www.caal.it/sitehome/wp-conte...-Scandicci.jpg ¿Esto es belleza? ¿Las sillas de plástico?
He dejado para el final las depresiones causadas por la falta de belleza. Porque ahora entiendo por qué hay tantas depresiones en el CNC, por qué tantos ojos tristes, por qué hasta los niños son más serios y apagados que los demás niños.
http://imageshack.us/a/img24/3549/templointbig.jpg Templo con piscina bautismal
El entorno afecta, y vaya si afecta. Voy a apoyarme una vez más en los discursos del gurú para explicarlo:
“Pero a mí me gusta relacionar la belleza con el placer. La emoción estética, la belleza, nos produce placer, nos hace una emoción. Entonces Dios, de alguna manera, ha creado la naturaleza. Quien ha creado la naturaleza, la ha hecho bella para darnos un placer.
(…) Hablaban los rabinos de que en la primera creación Eva era bellísima y ahora, cuando Moisés lleva a su pueblo hasta el monte Sinaí, ¿qué sucede? Que Israel no es bello, porque viene de la idolatría y el pueblo está lleno de ciegos, porque los ídolos nos ciegan. Cuando un hombre se hace una idolatría y se hace un ídolo (una ideología) y le pide a es ídolo o a esa imagen la felicidad, a ese ídolo que es una falsedad, que es una mentira, que es un demonio, éste le hace ciego a la voluntad de Dios.
Entonces hay una belleza. Ya en Israel se espera el Mesías que venga a producir esta belleza. ¿Cuál es esta belleza? Los ciegos ven... los cristianos. Entonces ¿qué es la Iglesia? El cuerpo de Cristo resucitado donde los cristianos escuchan, ven a Dios en su historia, escuchan su Palabra que ilumina su historia, caminan a salvar el mundo. Eran muertos y han sido resucitados a la vida. Entonces, tiene que aparecer la comunidad cristiana. Esto es lo que intenta el Camino: hacer comunidades cristianas donde se exprese la belleza de Cristo, que es Cristo quien salva al mundo.
http://www.filosofia.tk/foto/museo/L...co%201400).jpg Otro icono que no respeta el canon ¡Qué lo quemen!
¿En qué consiste esta belleza? ¿Y qué es la Iglesia? Es Cristo, Cristo… yo soy Cristo”. (V Congreso católicos y vida pública 2003)
En el CNC las depresiones abundan porque están ciegos a la voluntad de Dios, son muertos que no han resucitado a la vida. Por eso en ellos no hay belleza, por eso cuando escriben en el blog sólo saben atacar, arañar, insultar o dar órdenes absurdas. Lo peor es que seguirán ciegos mientras sigan a uno que usurpa el lugar de Cristo.
CruxSancta: Sobre la belleza y el amor - Camino Neocatecumenal
El Arte moderno, por Mons. Williamson
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¿Por qué el arte moderno es tan feo? ¿Tiene que ser tan feo? ¿Será que los artistas de la actualidad no pueden hacer algo lindo? Y ¿por qué cuando realizan algo "lindo" se cataloga normalmente como arte de segunda o de tercera clase, sentimental y de algún modo no auténtico? Dichas preguntas recurrentes se formulan por un pintor como Van Gogh, de quien hablamos la semana pasada, un precursor del arte moderno. Estas preguntas tienen respuestas fáciles si Dios y el alma humana son reales. No tienen una respuesta razonable si el Dios espiritual y el alma espiritual son ficción del hombre auto-engañador.
Si Dios es, aunque invisible, el real "Padre Todopoderoso, Creador de todas las cosas visibles e invisibles", por lo tanto Él creó el alma humana invisible, más íntimamente unida en la concepción a un cuerpo visible para constituir a cada ser humano que ha existido o existirá. Su objetivo al crear creaturas con una razón espiritual, y por lo tanto con libre albedrío, es su propia gloria extrínseca (no intrínseca), la cual aumenta con cada ser humano que usa ese libre albedrío para amar y servir a Dios en esta vida así como para merecer a su muerte ser inmensamente feliz con Dios, dándole a Él gloria sin fin en la vida venidera.
Y ¿cómo es que el hombre ama y sirve a Dios en esta vida? Obedeciendo sus mandamientos (Juan XV,10) que constituyen la estructura moral del bien y del mal para todos los actos humanos, una estructura que los hombre pueden desafiar pero no evadir. Si de hecho la desafían, ellos mismos se colocarán más o menos en una desarmonía radical con Dios, con su prójimo y con sí mismos, porque Dios creó ese marco no arbitrariamente sino en perfecta armonía con su propia naturaleza y la naturaleza humana obligada por Él para actuar dentro de él.
Ahora el arte podrá ser definido en su sentido más amplio como cualquier confección de materiales (por ejemplo pinturas, palabras, notas musicales, etc.) sobre la cual el hombre hace un esfuerzo especial para comunicar a otros hombres lo que él tiene en su mente y en su corazón. Así es que si la mente y el corazón pertenecen a un alma que en cualquier momento debe estar en armonía, en un mayor o menor grado, con esa estructura moral establecida por Dios para todos sus actos, entonces cualquier producto artístico que proceda de esa alma está obligado a reflejar la armonía objetiva o la desarmonía dentro de este. Y ahora estamos ya en la postura de contestar nuestras preguntas originales.
El arte moderno es tan feo porque todas las almas modernas pertenecen a una sociedad mundial que cae día a día más profundamente en la apostasía, de tal manera que un gran e influyente número de estas almas están en guerra con Dios, consciente o inconscientemente. Los productos artísticos de almas inmersas en dicho medio ambiente pueden únicamente reflejar su falta de armonía interna con Dios, con su prójimo y con sí mismos, razón por la cual son feos. Algo genuinamente hermoso podrá aflorar únicamente de alguna armonía genuina que aún permanezca en sus almas. El arte artificialmente "bonito" procede de un anhelo sin armonía de fingir armonía, lo que explica el porqué el efecto será siempre, de alguna manera, falso o sentimental, no auténtico y catalogado como arte de segunda o de tercera.
Por otro lado si Dios, y el alma inmortal que viene de Él y que tiene que tender a Él, son meras ficciones, entonces no existe una razón por la cual la belleza no deba ser fea y la fealdad, bella. Esa es la manera de pensar de los artistas modernos, pero desde el momento en que yo reconozco que un artefacto feo de éstos es de hecho feo, estoy reconociendo implícitamente que existe un marco, no suyo, que ellos están desafiando.
Kyrie eleison.
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Por su fealdad misma, el arte moderno indica la existencia y bondad de Dios. Después de tres meses (ver CE 144), permitámonos regresar a esta paradoja en la esperanza de que si cualquier alma admite por sentido común la diferencia entre la belleza y la fealdad en el arte, puede permitirse ver además que si Dios no existiese, dicha diferencia tampoco existiría.
La palabra "arte" significa habilidad, o el resultado/producto de la habilidad humana. Puede abarcar las pinturas, dibujos, escultura, la moda en la ropa, la música, la arquitectura, etc. La expresión "arte moderno" usualmente se refiere a pinturas y escultura en particular, creadas desde los inicios de los 1900´s y hasta la fecha por un movimiento de artistas que deliberadamente rechazaban, y aún rechazan, todos los estándares y medidas de hermosura como fue entendida antes del siglo XX. La diferencia entre el arte pre-moderno y moderno es tan real y evidente como la diferencia aquí en Londres entre la clásica Galería Tate en Millbank y el "Tate Modern" (Museo Nacional Británico de Arte Moderno), un museo completamente nuevo, un corto viaje en bote río abajo desde su progenitor en la orilla opuesta del Támesis. Es como si el arte moderno no pueda cohabitar bajo el mismo techo que el arte pre-moderno. Ellos luchan entre sí, tal como las iglesias de estilo clásico lo hacen con la Nueva Misa.
Ahora bien, el arte moderno en este sentido se caracteriza por su fealdad. El sentido común está de acuerdo en esto con el líder Comunista Kruschev, de quien se dice que comentó en una exhibición de arte moderno en Rusia, "Un burro podría haberlo hecho mejor con su cola". ¿Y qué es la fealdad? Falta de armonía. En el libro admirable de Arianna Huffington titulado "Picasso, Creador y Destructor", ella demostró como cada vez que Picasso se enamoró con otra de sus seis (principales) mujeres, sus pinturas más calmadas reflejaban algo de la belleza natural de ellas, pero tan pronto como dejó de amarlas, su furia hacía trizas esa belleza en "obras maestras" de arte moderno. ¡Este patrón se repite en Picasso con la exactitud de un reloj!
Por lo tanto la belleza en el arte viene de la armonía en el alma, aunque sea esta una armonía meramente terrenal, mientras que la fealdad procede de la falta de armonía en el alma, como del odio. Pero la armonía no necesita de la falta de armonía, por el contrario, mientras que la falta de armonía, como lo sugiere la misma palabra, presupone cierta armonía contra la cual está esencialmente librando una batalla. Por lo tanto la armonía precede a la falta de armonía, y cada falta de armonía da testimonio de alguna armonía. Pero más profundamente armonioso que cualquier pintura de mujeres hermosas pueden ser las pinturas de la Madonna, porque la armonía en el alma del artista pintando a la Madre de Dios puede ser mucho más alta y profunda que la armonía inspirada por un simple modelo humano, sin importar cuán bello este sea. ¿Por qué? Porque la belleza de la Madonna se deriva de su cercanía con Dios cuya divina armonía - simplicidad y unidad perfecta - supera infinitamente la armonía humana de las más bellas de las simples creaturas.
Por lo tanto el pobre arte moderno señala la armonía que no tiene, y toda armonía señala a Dios. Por lo tanto, no permitan que la gente recurra a la fealdad de la arquitectura moderna para albergar a la Misa Tridentina. ¡Uno podría adivinar que quien así lo haga, quiere o espera regresar a la falta de armonía de la Misa del Novus Ordo!
Kyrie eleison.
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Fuente.
TUTITU
Por Tomás González Pondal
La Providencia, en sus misterios insondables, quiso que el día 2 de febrero pasado me topara con una denominada obra de arte llamada “La Cabeza de Goliat”, hecha por un tal Eduardo Basualdo (41), y con un garabato llamado “Tutitu”, hecho con lápices de colores por mi ahijado, Tomás, que tiene tan solo dos años, y que le pidió a su papá me lo entregue: “pa el paino, pa el paino”. Lo de Basualdo consiste en una inmensa “piedra” hecha con acero, colgada de un gancho en una galería, para que, quienes fueran a ver eso, puedan ponerse debajo y experimentar qué se siente tener suspendida una piedra en la cabeza justo antes de la caída –según dicen-, del mismo modo que puedo llamar arte al hecho de ponerle a una persona un arma sobre su cabeza al momento de entrar al bar, para ver qué es lo que siente. Lo de Tomás consiste en varias líneas que van y vienen haciendo curvas o rectas, hechas en colores naranja, celeste, rosa y gris, sobre papel blanco, y con una dedicatoria redactada por la hermanita más grande, Lujan. Alguien podrá pensar que escribo estas líneas por una cuestión afectiva hacia mi ahijado, pero, más que eso, las escribo por la oportunidad que el pequeño me ha dado con su obra para reflexionar sobre el arte. Para ser más preciso, el choque mental que me produjeron en un mismo día ambas obras, me sugirió algunos deslindes que deseaba compartir.
Conservaré a Tutitu y lo haré encuadrar. Lo más grandioso de la obra de mi ahijado es que puso en ello todo su ser; va en su garabato su personalidad total y su afecto, con toda la pureza de un niño, cosas todas que tienen un valor invaluable. Pero la cuestión va más lejos aún. Si me centrará exclusivamente en una cuestión mercantilista y si compartiera la moderna idea de lo que hoy se entiende por arte, no debería decir que lo de Tomás es un simple garabato sino que es una acabada y extraordinaria obra de arte, y créanme que mínimamente la valuaría en diez millones de dólares. ¿Qué estoy loco por eso? Fenómeno. Pero, ¿por qué yo soy un loco en valuar la obra de mi ahijado en la cifra aludida, y, en cambio, parece algo muy serio que una obra de Jackson Pollock consistente en pintura tirada sobre tela formando un caos total tenga un valor de cuarenta millones de dólares? Y eso no es nada. Hay cuadros de Piccaso que superan los cien millones de dólares como así también de otros pintores. Me resulta luminosa la mente de un niño que con su garabato va hacia la claridad de una realidad, pero me resulta lúgubre la mente de un mayor que con su enchastre de pinturas va hacia una oscuridad tenebrosa.
La gran diferencia entre la obra de mi ahijado y la de quienes hoy se llaman artistas vinculados a las nuevas concepciones de “arte” como las apuntadas, es que en la hechura del menor hay un respeto incipiente del arte, y en los otros hay un rechazo hacia el arte verdadero. En la mente en formación de un niño, un garabato que quiere parecerse a Tutitu, realmente busca la unión con la realidad, unión que trae implícito aunque no logre manifestarse por la edad, el respeto a la belleza, a la armonía y al orden. Su obra intenta ser símbolo de una realidad. La obra del niño a diferencia de muchas otras denominadas artes, no lleva al caos. El denominado abstraccionismo es tan solo un subjetivismo que se desliga de la realidad, y deja escapar y da a conocer una faz instintiva, sensacionalista, emotiva, desordenada, sin belleza, caótica. Sobre esto llamado ahora “arte” moderno, recuerdo las palabras de Piccaso en donde confesaba: “En el momento en que el arte ya no es alimento de los mejores, el artista puede exteriorizar su talento en toda clase de tentativas de nuevas fórmulas, en todos los caprichos y fantasías, en todos los expedientes de la charlatanería intelectual. El pueblo ya no busca ni consuelo ni exaltación en las artes. Y los refinados, los ricos, los ociosos, los destiladores de quitaesencias buscan lo nuevo, lo extraordinario, lo original, lo extravagante, lo escandaloso. Por mi parte, desde el cubismo y más lejos aún, he contentado a esos señores y a esos críticos con las múltiples extravagancias que me han venido a la cabeza, y cuanto menos las han comprendido, más las han admirado. A fuerza de divertirme con todos esos juegos, con todas esas paparruchadas, esos rompecabezas, acertijos y arabescos, me hice célebre rápidamente. Y la celebridad significa para el pintor: ventas, ganancias, fortuna, riqueza. En la actualidad, como sabéis, soy célebre y muy rico. Pero cuando estoy a solas conmigo mismo, no tengo el valor de considerarme artista en el sentido grande y antiguo de la palabra (…). La mía es una amarga confesión, más dolorosa de lo que pueda aparecer, pero que tiene el mérito de ser sincera” (L’ Association Populaire des Amis des Musées, ‘Le Musée Vivant’, n| 17-18, año 1963).
Si a un niño que conoce Tutitu le dijera que una mole informe de acero es Tutitu, el niño negará con expresivo rostro el engaño y hará saber que se lo está engañando. Solo el niño puede decir de su garabato que es Tutitu sin engañar a nadie, pues esas líneas que van y vienen han tenido la real intención de adecuarse a una realidad llamada Tutitu.
http://hispanismo.org/attachment.php...tid=8980&stc=1
_____________________Fuente:
https://www.facebook.com/tomgonzalez...41940222639629
PERÚ | Nace la Revuelta Contra el Arte Moderno (RAM).
La noche del 7/2/2018, el Museo de Arte Contemporáneo de Lima (edificado años atrás sobre el terreno de la tradicional Laguna de Barranco, cedido irregularmente por una gestión municipal corrupta) inauguró la "muestra artística (sic) Canon: Vírgenes de la Puerta", donde muestra a un grupo de travestidos burlándose de los símbolos católicos "en nombre de la libertad". Hartos de este pseudoarte que no es más que la excusa para justificar la burla a las tradiciones del pueblo peruano, nació un colectivo denominado RAM, que ya empieza a manifestarse contra el marxismo cultural.
https://www.youtube.com/watch?v=auwvoJXeD0U
https://www.youtube.com/watch?v=auwvoJXeD0U
EL "CRUCIFIJO" DE CRISTO RESUCITADO: FALSO, MODERNISTA, MASÓNICO Y SATANISTA
UN CRUCIFIJO QUE NO ES TAL
Así se define el término "crucifijo" en el Diccionario de la Real Academia Española de la Lengua: "efigie o imagen de Cristo crucificado". Según el mismo diccionario, "crucificado" significa "fijado o clavado en una cruz". Entonces, alguien se dice crucificado cuando está fijado o clavado a una cruz, no cuando está elevándose desde una cruz, como sucede con este falso crucifijo.
UN CRUCIFIJO MODERNISTA
Este "crucifijo" es el símbolo de la falsa teología del "misterio pascual" en particular, y de la herejía modernista en general. Por su aversión a la Cruz, los modernistas pretenden desplazar el centro de la fe desde la muerte salvadora de Cristo hacia la resurrección, acontecimiento que tuvo lugar como necesario "complemento de nuestra salvación", según enseña Santo Tomás de Aquino en la Suma Teológica (III, q. 53, a.1). [1]
"El acto central y principal en el que se resume la obra de Cristo y que recapitula toda la creación, es la muerte de Nuestro Señor. La Santísima Trinidad quiso manifestarse ad extra por el misterio de la Cruz: “Nosotros predicamos a Cristo crucificado, escándalo para los judíos, locura para los gentiles, mas poder y sabiduría de Dios para los llamados”(Fil 2,8). Si para los seguidores del Misterio Pascual, “la resurrección no aparece como un epílogo, sino como el término y el fin en que se resume el misterio salvador” (Roguet, Qué es el misterio pascual, pág. 21), es porque se han escandalizado de la Cruz de Nuestro Señor." [2]
"Para la nueva teología (...) la muerte de Cristo sólo tiene sentido en orden a la resurrección. “La Resurrección de Jesús – dice el nuevo Catecismo – es la verdad culminante de nuestra fe en Cristo, creída y vivida por la primera comunidad cristiana como verdad central, transmitida como fundamental por la Tradición, establecida en los documentos del Nuevo Testamento, predicada como parte esencial del Misterio Pascual al mismo tiempo que la Cruz” (n. 638). Según enseña el Misterio Pascual, la obra de Cristo no tiene al Padre como término, sino sólo como principio; el Hijo no vino por el Padre y para Su gloria, sino por el amor del Padre a los hombres y para la gloria del hombre. Por eso es imposible que la obra de la Salvación se cumpla en el Sacrificio, donde se destruye la vida del hombre, sino en la Resurrección." [3]
https://1.bp.blogspot.com/-_90R_qbDe...rnista%2B3.jpgEL CRUCIFIJO DEL NEW AGE, DE LA NUEVA RELIGIÓN HUMANISTA DEL VATICANO II; UN CRUCIFIJO MASÓNICO Y SATANISTA
https://4.bp.blogspot.com/-KuJ2bFxdL...rnista%2B2.jpg
"¿Por qué aquellos que no creen en la Divinidad de Cristo se entusiasman tanto con la figura de “Cristo Resucitado?”
Para encontrar una respuesta, uno sólo necesita recordar las palabras de uno de los enemigos más amargos de Dios y de la Iglesia Católica, Alice Bailey, la sacerdotisa de la “New Age” y fundadora, en 1921, de la satánica “Lucifer Trust” (La Corte de Lucifer), quien había trazado el plan; la creación de una Nueva Religión Universal con estas palabras: «El “Cristo Resucitado” y no el “Cristo Crucificado” es la nota distintiva de la Nueva Religión».
¡He aquí el secreto de la dedicación de las “nuevas iglesias” al “Cristo Resucitado”!
Jesucristo es el “Maestro”, pero para ellos es el “Maestro” masón que se transforma, en el 15º grado de la Francmasonería de los Antiguos y Aceptados Masones del Rito Escocés, “resucitando” de la condición de “hombre en quien se revela claramente la realidad definitiva de ser un hombre quien, en sí mismo, es simultáneamente Dios”. Esto es, el masón, desde su estado precedente, “resucita” y se convierte en “Maestro” u “Hombre-Dios”, ¡liberándose de cualquier Autoridad Divina porque se ha convertido en Dios!
Así, no se trata del "Dios que se convierte en hombre, que muere en la Cruz y ha resucitado" porque Él es Dios; sino, en cambio, del hombre que se manifiesta como Dios en Jesucristo”, el cual es, para ellos, ¡sólo el símbolo del “Maestro” masón!
Así, con el término “Cristo Resucitado”, ellos no celebran la Divinidad de Cristo, sino la autodeificación masónica del hombre, a saber, el “Culto del Hombre” como un paso necesario para pasar al “Culto de Lucifer”." [4]
_________________
1. Respondeo dicendum quod necessarium fuit Christum resurgere, propter quinque. (...) Quinto, ad complementum nostrae salutis. Quia sicut propter hoc mala sustinuit moriendo ut nos liberaret a malis, ita glorificatus est resurgendo ut nos promoveret ad bona, secundum illud Rom. IV, traditus est propter delicta nostra, et resurrexit propter iustificationem nostram.
2. R.P. Álvaro Calderón, El Misterio Pascual, p. 88.
3..Ibíd., p. 89.
4. Franco Adessa, ¿Quién era realmente Don Lugi Villa?, p. 59.
Non Possumus: EL "CRUCIFIJO" DE CRISTO RESUCITADO: FALSO, MODERNISTA, MASÓNICO Y SATANISTA
¿Arte moderno satánico? – conferencia de Pilar Baselga
Publicado el julio 4, 2018por Adversario
https://i1.wp.com/glasstire.com/wp-c.../Abramovic.png
Marina Abramovic, artista predilecta de la élite
¿”ARTE MODERNO” SATÁNICO? +18 – Pilar Baselga #FenixCognitum
Conferencia de Pilar Baselga http://nomoriridiota.blogspot.com.es/ sobre la infiltración de una élite esotérica, ocultista y satánica en galerias y museos de arte moderno, alta moda de diseño. Vease a Performance de Marina Abramovic, Museo Arte Moderno California, L.A., MET GALA 2018
FENIX COGNITUM MEDIA
https://m.youtube.com/watch?v=uZkgjatUmlA
https://adversariometapolitico.wordp...pilar-baselga/
EL ARTE CONTEMPORANEO ES BASURA (Avelina Lésper)
https://www.youtube.com/watch?v=IDzVbqmad7w