Tema: Arte moderno

“Arte y contra-arte”


En los años 30, Luis Buñuel, en una exposición en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife, presentó como original obra de arte un burro muerto. Al tercer día el animal empezó a descomponerse y a heder pero el público acudía igualmente a contemplarlo. Hoy este tipo de extravagancias ya no son una excepción sino que más bien parecen ser la norma, y la condición de éxito, en muchas exposiciones artísticas. Quizá la única diferencia, respecto a la época de Buñuel, reside en que la capacidad del público actual para escandalizarse está algo más que saturada. Ello lleva a que aquellos que quieren obtener el reconocimiento del público busquen afanosamente motivos de escándalo cada vez más fuertes en sus obras.

Al tercer día el animal empezó a descomponerse y a heder pero el público acudía igualmente a contemplarlo.

Tradicionalmente el artista buscaba un asombro que extasiara al espectador y le llevara a la contemplación de “lo bello”. El artista contemporáneo, sin embargo, pretende sorprender escandalizando y parece que el camino para conseguirlo es generando obras feas, morbosas y transgresoras. Un rápido repaso al pensamiento clásico nos descubriría lo alejado que está el arte actual de lo que muchos pensadores acotaron como arte. En el mundo clásico, el arte se define a través de conceptos como armonía (equilibrio en el que las partes se subordinan al todo); cosmos (orden bello); canon (búsqueda de las leyes del arte para que la obra sea reconocida socialmente); genio en cuanto artesano (dominador de una técnica); luz y esplendor (manifestación de la belleza espiritual); sublimidad (representación material de la belleza divina); eternidad y buen hacer (tanto en los materiales usados como en los contenidos).

Por el contrario, el arte de nuestros días ha tomado la senda de una auto-definición basada en: la ausencia de belleza y armonía (las obras de arte ya no han de ser necesariamente bellas); la reducción del arte a la intencionalidad del artista (es obra de arte lo que el artista quiere que sea obra de arte), por tanto, el rechazo del canon; la originalidad como único principio rector (entendiéndose por originalidad la ausencia de principios rectores en el arte) o la autodisolución (concretada en lo efímero de la obra de arte por definición).

Hegel afirmó que: “El arte ya no proporciona satisfacción de las necesidades espirituales. El arte ha perdido para nosotros su verdad y su vida”.

Algo ya debía pasar con el arte en el siglo XIX, cuando Hegel afirmó que: “El arte ya no proporciona satisfacción de las necesidades espirituales. El arte ha perdido para nosotros su verdad y su vida”. Mucho más recientemente, Jean Baudrillard, en su obra El complot del arte, parecía escribir el epitafio del arte: “La mayor parte del arte contemporáneo se dedica exactamente a esto: apropiarse de la banalidad, el despojo y la mediocridad como valor y como ideología”. Esta identificación del arte actual con la basura es sorprendente pues, en boca de René Köning, la revolución que inauguró el arte moderno, “fue de hecho una auténtica revolución cultural que barrió con una gran cantidad de basura del pasado”. Barrer basura con basura, curiosa situación de la cual parece que no podemos salir. ¿Qué queda del arte?, podemos preguntarnos, cuando las noticias que nos llegan de él estás simplemente referidas a escándalos mórbidos cada vez más frecuentes.
Javier Barraycoa (en Los Mitos actuales al descubierto)


https://barraycoa.com/2016/11/30/arte-y-contra-arte/

Iniciado por Mexispano

-¿Nos quieren tontos?

-Exactamente. ¿Y sabes por qué? Eso tiene detrás de sí lo más pedestre que te puedas imaginar, el dinero. Por eso es también un fracaso del capitalismo. Todo lo que se ha hecho por dinero en estas dos últimas décadas ha hecho un daño enorme a la Humanidad. Por dinero se destruyó la economía de Europa, la de Estados Unidos, tenemos el narcotráfico en América Latina… y por dinero están destruyendo el arte.

Ahí se equivoca. El arte contemporáneo no es un fracaso del capitalismo, sino un gran triunfo: el consumismo adaptado al arte. Ella misma lo dice, se trata de un arte "efímero", por lo que el consumador de arte se ve obligado a comprar para consumir más.

Ni más ni menos.

¿20.000 años de evolución cultural para llegar a esto?


Javier Barraycoa

¿20.000 años de evolución cultural para llegar a esto?

Hay dos cosas que están claras: las pinturas rupestres fueron una de las primeras expresiones artísticas pictóricas del homo sapiens sapiens y que la fecha es tardía, muy tardía. Desde entonces el arte altura fueron evolucionando paralelamente, para dar un salto cualitativo hace unos 10.000 años cuando aparecían los primeros conatos de civilización acompañados del desarrollo del arte y el cultivo. La vida sedentaria y la agricultura pusieron los fundamentos de la cultura compleja, la aparición de las ciudades.

Y luego vendría la arquitectura, técnicas avanzadas y la búsqueda de la perfección en el arte. Las civilizaciones, en sus inmensas etapas temporales, creaban escuelas apoyadas en conocimientos anteriores. Cada paso se sentía como una superación, como una búsqueda de cánones más perfectos. Es verdad que todas tuvieron sus crisis y altibajos. De hecho el arte, siempre ha sido un sensor de estas catarsis.

Sin embargo, uno se pregunta si tanto esfuerzo colectivo durante miles de años ha valido la pena. Baste contemplar el dominante yoficial el arte actual; un “institucionalizado arte revolucionario” del que podríamos estar hablando hasta la saciedad, y no para alabarlo precisamente. Los síntomas de la enfermedad aparecieron antes, pero a partir de mediados del siglo XX eclosionaba la descomposición del arte occidental. ¿Cómo argumentarlo? Argumentos hay tantos, … lo único que requiere es no tener prejuicios para aceptarlos. Si la decadencia del arte es un síntoma de decadencia civilizatorio, ya es cosa de juicio particular.

Un ejemplo de esas primeras manifestaciones de disolución del espíritu artístico en Occidente, se nos ocurre, es la obra de Jean Dubuffet, titulada Triunfo y gloria (1950). Por sí misma no nos diría nada, excepto que el dibujante o era un infante o un adulto infantiloide. Pero si lo comparamos con las antiquísimas pinturas rupestres, parece que no se ha evolucionado mucho. Arriba exponemos unas pinturas rupestres de la baja California y a su costado la obra de Dubuffet. Intente adivinar cual es cual.

Triunfo y Gloria de Jean Dubuffet (1950)

Pinturas rupestres en la Baja California


https://barraycoa.com/2016/12/18/4071/

Los cuadros de Pierre Brassau (o cómo un mono le tomó el pelo al mundo del arte)

Los cuadros de Pierre Brassau (o cómo un mono le tomó el pelo al mundo del arte)





Varios periodistas, famosos y críticos de arte se dan cita en una misma galería en 1964. Expone el enigmático artista Pierre Brassau, del que todo son alabanzas. Los críticos se vuelven locos y hablan de la “delicadeza de una bailarina en sus pinceladas”. Ocurre que Brassau no era Brassau, era un mono.

No descubrimos nada si decimos que el mundo del arte siempre estará en boca de todos, para lo bueno y para lo malo, para la crítica y para la alabanza. Ocurre también que muchas veces a uno le queda la sensación de que el arte, o eso que llaman arte, es una tomadura de pelo. Claro, hay que contextualizar y sobre todo “saber” para poder criticar una obra. Así que parto de la base de que soy un ignorante en según qué situaciones para entender lo que tengo delante. Es la misma fórmula que aplicamos para disfrutar de esa obra, pero ¿y valorarla?

Supongo que en esa misma tesitura se debe encontrar mucha gente. Y quizá también por esta razón lo ocurrido en la década de los 60 no hace más que arrojar piedras, no sobre el propio concepto del arte (del que evidentemente no se puede generalizar y es subjetivo), sino más bien de lo que lo rodea, de esa burbuja que se da en ocasiones y que con la historia del “gran” Pierre Brassau le saca los colores.

Mientras que la mayoría de piezas eran “pesadas”, la obra de Brassau no. Pierre Brassau pinta con trazos potentes bajo una determinación muy clara. Sus pinceladas se tuercen con una meticulosidad furiosa. Pierre es un artista cuyas piezas se llevan a cabo con la delicadeza de una bailarina de ballet…

Para ser honestos con la historia, sí que hubo un crítico, un solo hombre, que criticó con dureza la obra del pintor. En su exposición venía a tirar por tierra el trabajo de Brassau comparando la obra en los siguientes términos: “Sólo un mono podría haber hecho esto”.

Lo que este crítico de una revista sueca no sabía era que estaba en lo cierto. Brassau era un chimpacé. Y su nombre no era Pierre, se llamaba Peter.

Al poco tiempo salió a la luz la realidad y la verdadera identidad del artista que pintaba con delicadeza y cuyos trazos mostraban una gran determinación. Todo fue una gran broma e invención de Ake Axelsson, un periodista del diario local Goteborgs-Tidningen.

Al hombre se le había ocurrido la idea de exhibir el trabajo de un mono en una muestra de arte con el único fin de poner a prueba a los críticos. Axelsson contaría más tarde que se hizo la siguiente pregunta, ¿serían capaces de distinguir entre arte moderno y el arte de un mono?

Para llevar a cabo su plan acudió al zoo Boras de Suecia donde se encontraba el chimpancé Peter, un mono africano de cuatro años. Axelsson convenció al cuidador de Peter para pasarle pincel y pinturas al óleo y que este desarrollara su “técnica”. El periodista comentaba que al principio Peter se tragó algunas pinturas (especialmente el azul cobalto), pero con el tiempo comenzó a dibujar en los lienzos lo que Axelsson describiría como “manchas”. Arte de un mono donde destacaría ese azul cobalto que tanto le había gustado desde el principio.

Axelsson destacaba también cómo el mono tenía momentos de gran “creatividad”. Pasaba cuando Peter tenía un racimo de plátanos en la otra mano. Por tanto la comida de alguna forma aumentaba su nivel de inspiración. Tras varias “creaciones”, el periodista contaba con una serie de pinturas de las que acabó eligiendo cuatro, aquellas que consideró más “artísticas”.

Tras la elección acudió a la galería y aceptaron el reto. Al revelar días más tarde la verdadera identidad de Pierre Brassau, el afamado crítico Rolf Anderberg que había alabado el trabajo anteriormente se mantuvo en su idea. Anderberg insistió en que la obra de Pierre (o Peter el mono) “seguía siendo el mejor cuadro en la exposición”. No sólo eso. Durante la exposición y antes de revelar la gran broma, uno de los cuadros de Peter se llegó a vender al coleccionista privado Bertil Eklöt por alrededor de 90 dólares de la época (unos 500 dólares hoy).

Así fue como la fugaz estrella del avant-garde francés, el mono africano Peter, volvía a su rutinaria vida en el zoo sin saber que durante unos días se había convertido en un gran artista. Axelsson había acabado su experimento con una gran bofetada al mundo del arte. Y es que, quien sabe, quizá Banksy no sea Banksy.

Obras de 'Pigcasso' se venden a montones

Este singular hecho cuyo protagonista en un cerdo, causa admiración en el mundo...





https://www.youtube.com/watch?v=oLvNmMEGhlw

Iniciado por Mexispano

Obras de 'Pigcasso' se venden a montones

Este singular hecho cuyo protagonista en un cerdo, causa admiración en el mundo...





https://www.youtube.com/watch?v=oLvNmMEGhlw

Sí, lo conozco. En una página que sigo, https://www.facebook.com/CEAMspain/, dicen con sorna y mucho razón, que la descripción de la página original que publicó lo del cerdo, AJ+ Español, lo decía todo: mejor que muchos artistas modernos. (Es decir, según Contra el arte moderno, pintan peor que los cerdos).

Otra cosa que no hay olvidar al ver estos surrealistas hechos, es que el tonto no es el que vende arte moderno (al contrario, ese es muy inteligente), sino el que lo compra.

Sobre la belleza y el amor



Uno de los siempre amables y caritativos anónimos que visitan el blog ha tenido el detalle de regalarnos la siguiente perla, que no me resisto a comentar:

Estética de la capilla del R.M. en cuestión

“La belleza, toda la naturaleza está llena de belleza porque Dios nos ama. La belleza tiene relación con el placer con el amor. Todo es bello. Si quitas la belleza la gente entra en depresión. La belleza. Este seminario quiere utilizar la belleza como un instrumento de amor. Antes del Concilio aquí lo importante era el dinero, el dinero, el dinero, ser pobres, el dinero, todo era rácano, raquítico. En este seminario no. La belleza como instrumento del amor. Los seminaristas aquí se tienen que sentir queridos, amados, todos es bello, amados, llenos de amor. Si tú a un chico le tratas como un perro a palos después muerde, muerde, si le tratas con amor y con cariño amara (sic). Muchos seminaristas vienen aquí heridos con la familia destruida, el padre borracho, nunca fueron queridos. En el seminario van a ser amados, queridos, tienen un espíritu de amor, comen bien… Todo es bello, quisiéramos que todo fuera bello, no nos importa el dinero, es el amor lo que está en el centro.”(Kiko Argüello, agosto 2010, Nicaragua)




Si no me equivoco, el fragmento procede del discurso pronunciado con motivo de la inauguración de la capilla del seminario R.M. de Managua. Lo que no sé es si ese discurso tuvo lugar durante la Solemne Dedicación de la Iglesia del Seminario Redemptoris Mater en Honor a la Virgen María Nuestra Señora de Guadalupe.


Lo que sí puedo asegurar (porque se cuenta en la web del seminario en cuestión) es que ‘durante la eucaristía, Kiko Argüello, se tomó unos minutos para explicar el sentido de la corona mistérica. Explica Kiko como estas pinturas siguen el canon de la Iglesia de Oriente, que seguir un canon para las pinturas significa que es la Iglesia quien explica cómo se debe pintar los cuadros y no se deja a la libertad del pintor. “En la Iglesia de Occidente cada pintor lo hace como le da la gana: Leonardo, Frangelico, etc. Por ejemplo, la Anunciación, cada uno la pinta de forma diferente”. Kiko habla de la necesidad que tiene la Iglesia de Occidente de volver al canon pues no se puede continuar con el caos que se tiene hoy en día, donde no existe un orden establecido sino que cada iglesia tiene esculturas y formas propias.

La Piedad de un tal Miguel Ángel

Hizo referencia a la belleza que salva al mundo y cómo este seminario está intentando a través de la belleza, símbolo de Dios y por lo tanto del Amor formar sacerdotes capaces de amar y dar la vida por la evangelización’ (fin de la reseña).



Empecemos por lo fácil: La Iglesia de antes del Concilio. No hace falta señalar qué concilio, puesto que en el CNC sólo se conoce y se reconoce uno, los demás eran reuniones de pastores aburridos cuya fe no interesa a nadie y que no sirvieron para nada, según el profeta de Vallecas.


Reconozcamos que la Iglesia de antes del concilio era rácana y raquítica, tanto que llenó Europa de magníficas catedrales, de obras de arte inigualables, esculturas, cuadros, retablos, los mismos ropajes de los sacerdotes era arte puro. Lo más bello, lo mejor se destinaba a dar gloria a Dios. ¡Qué raquíticos!

La última cena (pintada como a Leonardo le salió de la barba)

En cambio, después del concilio y en especial después de las experiencias místicas del profeta vallecano, que recibe la inspiración de cómo deben ser las capillas, los catecumeniums y esas cositas… ¡Esto ya es otra cosa! Frío, desangelado, desarropado, totalmente otra cosa, nada que ver con la errónea estética de Miguel Ángel, de Leonardo, de Frangélico, que se sacaban los cánones de la manga y así les salía lo que les salía: un reino de taifas, donde cada templo tiene su propia estética y sus propias esculturas.

Catedral de León (dinero, dinero, pobreza, racanería)

Para empezar, en las capillas kikas no se admiten esculturas. Y esperemos que el papa Francisco, tan amigo de ‘la pastora’, pronto ponga en marcha la remodelación de esas fastuosas catedrales tan mal diseñadas y peor ejecutadas que hay por todos sitios, deben ser sustituidas por catacumeniums libres de estatuas, donde sólo se permitan iconos que sigan el canon de Kiko, este, de la Iglesia, o sea, lo que diga el profeta, porque la Iglesia debe reconocer las palabras de Dios en el profeta, que para eso lo es.

¿Esto es belleza? ¿Las sillas de plástico?

Lo de largar un rollazo sobre las pinturas que afean aún más la capilla durante la celebración de la misa, debe ser que está admitido en los estatutos esos que ha aprobado la Iglesia, a lo mejor es que los cristianos del siglo I intercambiaban noticias y recetas de cocina durante la eucaristía, en cuyo caso, hace muy bien Kiko en recuperar la tradición de nuestros padres en la fe.

Templo con piscina bautismal

He dejado para el final las depresiones causadas por la falta de belleza. Porque ahora entiendo por qué hay tantas depresiones en el CNC, por qué tantos ojos tristes, por qué hasta los niños son más serios y apagados que los demás niños.


El entorno afecta, y vaya si afecta. Voy a apoyarme una vez más en los discursos del gurú para explicarlo:


“Pero a mí me gusta relacionar la belleza con el placer. La emoción estética, la belleza, nos produce placer, nos hace una emoción. Entonces Dios, de alguna manera, ha creado la naturaleza. Quien ha creado la naturaleza, la ha hecho bella para darnos un placer.
(…) Hablaban los rabinos de que en la primera creación Eva era bellísima y ahora, cuando Moisés lleva a su pueblo hasta el monte Sinaí, ¿qué sucede? Que Israel no es bello, porque viene de la idolatría y el pueblo está lleno de ciegos, porque los ídolos nos ciegan. Cuando un hombre se hace una idolatría y se hace un ídolo (una ideología) y le pide a es ídolo o a esa imagen la felicidad, a ese ídolo que es una falsedad, que es una mentira, que es un demonio, éste le hace ciego a la voluntad de Dios.

Otro icono que no respeta el canon ¡Qué lo quemen!

Entonces hay una belleza. Ya en Israel se espera el Mesías que venga a producir esta belleza. ¿Cuál es esta belleza? Los ciegos ven... los cristianos. Entonces ¿qué es la Iglesia? El cuerpo de Cristo resucitado donde los cristianos escuchan, ven a Dios en su historia, escuchan su Palabra que ilumina su historia, caminan a salvar el mundo. Eran muertos y han sido resucitados a la vida. Entonces, tiene que aparecer la comunidad cristiana. Esto es lo que intenta el Camino: hacer comunidades cristianas donde se exprese la belleza de Cristo, que es Cristo quien salva al mundo.
¿En qué consiste esta belleza? ¿Y qué es la Iglesia? Es Cristo, Cristo… yo soy Cristo”. (V Congreso católicos y vida pública 2003)


En el CNC las depresiones abundan porque están ciegos a la voluntad de Dios, son muertos que no han resucitado a la vida. Por eso en ellos no hay belleza, por eso cuando escriben en el blog sólo saben atacar, arañar, insultar o dar órdenes absurdas. Lo peor es que seguirán ciegos mientras sigan a uno que usurpa el lugar de Cristo.



CruxSancta: Sobre la belleza y el amor - Camino Neocatecumenal

El Arte moderno, por Mons. Williamson





¿Por qué el arte moderno es tan feo? ¿Tiene que ser tan feo? ¿Será que los artistas de la actualidad no pueden hacer algo lindo? Y ¿por qué cuando realizan algo "lindo" se cataloga normalmente como arte de segunda o de tercera clase, sentimental y de algún modo no auténtico? Dichas preguntas recurrentes se formulan por un pintor como Van Gogh, de quien hablamos la semana pasada, un precursor del arte moderno. Estas preguntas tienen respuestas fáciles si Dios y el alma humana son reales. No tienen una respuesta razonable si el Dios espiritual y el alma espiritual son ficción del hombre auto-engañador.

Si Dios es, aunque invisible, el real "Padre Todopoderoso, Creador de todas las cosas visibles e invisibles", por lo tanto Él creó el alma humana invisible, más íntimamente unida en la concepción a un cuerpo visible para constituir a cada ser humano que ha existido o existirá. Su objetivo al crear creaturas con una razón espiritual, y por lo tanto con libre albedrío, es su propia gloria extrínseca (no intrínseca), la cual aumenta con cada ser humano que usa ese libre albedrío para amar y servir a Dios en esta vida así como para merecer a su muerte ser inmensamente feliz con Dios, dándole a Él gloria sin fin en la vida venidera.


Y ¿cómo es que el hombre ama y sirve a Dios en esta vida? Obedeciendo sus mandamientos (Juan XV,10) que constituyen la estructura moral del bien y del mal para todos los actos humanos, una estructura que los hombre pueden desafiar pero no evadir. Si de hecho la desafían, ellos mismos se colocarán más o menos en una desarmonía radical con Dios, con su prójimo y con sí mismos, porque Dios creó ese marco no arbitrariamente sino en perfecta armonía con su propia naturaleza y la naturaleza humana obligada por Él para actuar dentro de él.


Ahora el arte podrá ser definido en su sentido más amplio como cualquier confección de materiales (por ejemplo pinturas, palabras, notas musicales, etc.) sobre la cual el hombre hace un esfuerzo especial para comunicar a otros hombres lo que él tiene en su mente y en su corazón. Así es que si la mente y el corazón pertenecen a un alma que en cualquier momento debe estar en armonía, en un mayor o menor grado, con esa estructura moral establecida por Dios para todos sus actos, entonces cualquier producto artístico que proceda de esa alma está obligado a reflejar la armonía objetiva o la desarmonía dentro de este. Y ahora estamos ya en la postura de contestar nuestras preguntas originales.


El arte moderno es tan feo porque todas las almas modernas pertenecen a una sociedad mundial que cae día a día más profundamente en la apostasía, de tal manera que un gran e influyente número de estas almas están en guerra con Dios, consciente o inconscientemente. Los productos artísticos de almas inmersas en dicho medio ambiente pueden únicamente reflejar su falta de armonía interna con Dios, con su prójimo y con sí mismos, razón por la cual son feos. Algo genuinamente hermoso podrá aflorar únicamente de alguna armonía genuina que aún permanezca en sus almas. El arte artificialmente "bonito" procede de un anhelo sin armonía de fingir armonía, lo que explica el porqué el efecto será siempre, de alguna manera, falso o sentimental, no auténtico y catalogado como arte de segunda o de tercera.


Por otro lado si Dios, y el alma inmortal que viene de Él y que tiene que tender a Él, son meras ficciones, entonces no existe una razón por la cual la belleza no deba ser fea y la fealdad, bella. Esa es la manera de pensar de los artistas modernos, pero desde el momento en que yo reconozco que un artefacto feo de éstos es de hecho feo, estoy reconociendo implícitamente que existe un marco, no suyo, que ellos están desafiando.


Kyrie eleison.





Por su fealdad misma, el arte moderno indica la existencia y bondad de Dios. Después de tres meses (ver CE 144), permitámonos regresar a esta paradoja en la esperanza de que si cualquier alma admite por sentido común la diferencia entre la belleza y la fealdad en el arte, puede permitirse ver además que si Dios no existiese, dicha diferencia tampoco existiría.


La palabra "arte" significa habilidad, o el resultado/producto de la habilidad humana. Puede abarcar las pinturas, dibujos, escultura, la moda en la ropa, la música, la arquitectura, etc. La expresión "arte moderno" usualmente se refiere a pinturas y escultura en particular, creadas desde los inicios de los 1900´s y hasta la fecha por un movimiento de artistas que deliberadamente rechazaban, y aún rechazan, todos los estándares y medidas de hermosura como fue entendida antes del siglo XX. La diferencia entre el arte pre-moderno y moderno es tan real y evidente como la diferencia aquí en Londres entre la clásica Galería Tate en Millbank y el "Tate Modern" (Museo Nacional Británico de Arte Moderno), un museo completamente nuevo, un corto viaje en bote río abajo desde su progenitor en la orilla opuesta del Támesis. Es como si el arte moderno no pueda cohabitar bajo el mismo techo que el arte pre-moderno. Ellos luchan entre sí, tal como las iglesias de estilo clásico lo hacen con la Nueva Misa.


Ahora bien, el arte moderno en este sentido se caracteriza por su fealdad. El sentido común está de acuerdo en esto con el líder Comunista Kruschev, de quien se dice que comentó en una exhibición de arte moderno en Rusia, "Un burro podría haberlo hecho mejor con su cola". ¿Y qué es la fealdad? Falta de armonía. En el libro admirable de Arianna Huffington titulado "Picasso, Creador y Destructor", ella demostró como cada vez que Picasso se enamoró con otra de sus seis (principales) mujeres, sus pinturas más calmadas reflejaban algo de la belleza natural de ellas, pero tan pronto como dejó de amarlas, su furia hacía trizas esa belleza en "obras maestras" de arte moderno. ¡Este patrón se repite en Picasso con la exactitud de un reloj!


Por lo tanto la belleza en el arte viene de la armonía en el alma, aunque sea esta una armonía meramente terrenal, mientras que la fealdad procede de la falta de armonía en el alma, como del odio. Pero la armonía no necesita de la falta de armonía, por el contrario, mientras que la falta de armonía, como lo sugiere la misma palabra, presupone cierta armonía contra la cual está esencialmente librando una batalla. Por lo tanto la armonía precede a la falta de armonía, y cada falta de armonía da testimonio de alguna armonía. Pero más profundamente armonioso que cualquier pintura de mujeres hermosas pueden ser las pinturas de la Madonna, porque la armonía en el alma del artista pintando a la Madre de Dios puede ser mucho más alta y profunda que la armonía inspirada por un simple modelo humano, sin importar cuán bello este sea. ¿Por qué? Porque la belleza de la Madonna se deriva de su cercanía con Dios cuya divina armonía - simplicidad y unidad perfecta - supera infinitamente la armonía humana de las más bellas de las simples creaturas.


Por lo tanto el pobre arte moderno señala la armonía que no tiene, y toda armonía señala a Dios. Por lo tanto, no permitan que la gente recurra a la fealdad de la arquitectura moderna para albergar a la Misa Tridentina. ¡Uno podría adivinar que quien así lo haga, quiere o espera regresar a la falta de armonía de la Misa del Novus Ordo!


Kyrie eleison.



Fuente.

TUTITU

Por Tomás González Pondal



La Providencia, en sus misterios insondables, quiso que el día 2 de febrero pasado me topara con una denominada obra de arte llamada “La Cabeza de Goliat”, hecha por un tal Eduardo Basualdo (41), y con un garabato llamado “Tutitu”, hecho con lápices de colores por mi ahijado, Tomás, que tiene tan solo dos años, y que le pidió a su papá me lo entregue: “pa el paino, pa el paino”. Lo de Basualdo consiste en una inmensa “piedra” hecha con acero, colgada de un gancho en una galería, para que, quienes fueran a ver eso, puedan ponerse debajo y experimentar qué se siente tener suspendida una piedra en la cabeza justo antes de la caída –según dicen-, del mismo modo que puedo llamar arte al hecho de ponerle a una persona un arma sobre su cabeza al momento de entrar al bar, para ver qué es lo que siente. Lo de Tomás consiste en varias líneas que van y vienen haciendo curvas o rectas, hechas en colores naranja, celeste, rosa y gris, sobre papel blanco, y con una dedicatoria redactada por la hermanita más grande, Lujan. Alguien podrá pensar que escribo estas líneas por una cuestión afectiva hacia mi ahijado, pero, más que eso, las escribo por la oportunidad que el pequeño me ha dado con su obra para reflexionar sobre el arte. Para ser más preciso, el choque mental que me produjeron en un mismo día ambas obras, me sugirió algunos deslindes que deseaba compartir.

Conservaré a Tutitu y lo haré encuadrar. Lo más grandioso de la obra de mi ahijado es que puso en ello todo su ser; va en su garabato su personalidad total y su afecto, con toda la pureza de un niño, cosas todas que tienen un valor invaluable. Pero la cuestión va más lejos aún. Si me centrará exclusivamente en una cuestión mercantilista y si compartiera la moderna idea de lo que hoy se entiende por arte, no debería decir que lo de Tomás es un simple garabato sino que es una acabada y extraordinaria obra de arte, y créanme que mínimamente la valuaría en diez millones de dólares. ¿Qué estoy loco por eso? Fenómeno. Pero, ¿por qué yo soy un loco en valuar la obra de mi ahijado en la cifra aludida, y, en cambio, parece algo muy serio que una obra de Jackson Pollock consistente en pintura tirada sobre tela formando un caos total tenga un valor de cuarenta millones de dólares? Y eso no es nada. Hay cuadros de Piccaso que superan los cien millones de dólares como así también de otros pintores. Me resulta luminosa la mente de un niño que con su garabato va hacia la claridad de una realidad, pero me resulta lúgubre la mente de un mayor que con su enchastre de pinturas va hacia una oscuridad tenebrosa.

La gran diferencia entre la obra de mi ahijado y la de quienes hoy se llaman artistas vinculados a las nuevas concepciones de “arte” como las apuntadas, es que en la hechura del menor hay un respeto incipiente del arte, y en los otros hay un rechazo hacia el arte verdadero. En la mente en formación de un niño, un garabato que quiere parecerse a Tutitu, realmente busca la unión con la realidad, unión que trae implícito aunque no logre manifestarse por la edad, el respeto a la belleza, a la armonía y al orden. Su obra intenta ser símbolo de una realidad. La obra del niño a diferencia de muchas otras denominadas artes, no lleva al caos. El denominado abstraccionismo es tan solo un subjetivismo que se desliga de la realidad, y deja escapar y da a conocer una faz instintiva, sensacionalista, emotiva, desordenada, sin belleza, caótica. Sobre esto llamado ahora “arte” moderno, recuerdo las palabras de Piccaso en donde confesaba: “En el momento en que el arte ya no es alimento de los mejores, el artista puede exteriorizar su talento en toda clase de tentativas de nuevas fórmulas, en todos los caprichos y fantasías, en todos los expedientes de la charlatanería intelectual. El pueblo ya no busca ni consuelo ni exaltación en las artes. Y los refinados, los ricos, los ociosos, los destiladores de quitaesencias buscan lo nuevo, lo extraordinario, lo original, lo extravagante, lo escandaloso. Por mi parte, desde el cubismo y más lejos aún, he contentado a esos señores y a esos críticos con las múltiples extravagancias que me han venido a la cabeza, y cuanto menos las han comprendido, más las han admirado. A fuerza de divertirme con todos esos juegos, con todas esas paparruchadas, esos rompecabezas, acertijos y arabescos, me hice célebre rápidamente. Y la celebridad significa para el pintor: ventas, ganancias, fortuna, riqueza. En la actualidad, como sabéis, soy célebre y muy rico. Pero cuando estoy a solas conmigo mismo, no tengo el valor de considerarme artista en el sentido grande y antiguo de la palabra (…). La mía es una amarga confesión, más dolorosa de lo que pueda aparecer, pero que tiene el mérito de ser sincera” (L’ Association Populaire des Amis des Musées, ‘Le Musée Vivant’, n| 17-18, año 1963).

Si a un niño que conoce Tutitu le dijera que una mole informe de acero es Tutitu, el niño negará con expresivo rostro el engaño y hará saber que se lo está engañando. Solo el niño puede decir de su garabato que es Tutitu sin engañar a nadie, pues esas líneas que van y vienen han tenido la real intención de adecuarse a una realidad llamada Tutitu.

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Fuente:

https://www.facebook.com/tomgonzalez...41940222639629

PERÚ | Nace la Revuelta Contra el Arte Moderno (RAM).

La noche del 7/2/2018, el Museo de Arte Contemporáneo de Lima (edificado años atrás sobre el terreno de la tradicional Laguna de Barranco, cedido irregularmente por una gestión municipal corrupta) inauguró la "muestra artística (sic) Canon: Vírgenes de la Puerta", donde muestra a un grupo de travestidos burlándose de los símbolos católicos "en nombre de la libertad". Hartos de este pseudoarte que no es más que la excusa para justificar la burla a las tradiciones del pueblo peruano, nació un colectivo denominado RAM, que ya empieza a manifestarse contra el marxismo cultural.





https://www.youtube.com/watch?v=auwvoJXeD0U

EL "CRUCIFIJO" DE CRISTO RESUCITADO: FALSO, MODERNISTA, MASÓNICO Y SATANISTA

UN CRUCIFIJO QUE NO ES TAL


Así se define el término "crucifijo" en el Diccionario de la Real Academia Española de la Lengua: "efigie o imagen de Cristo crucificado". Según el mismo diccionario, "crucificado" significa "fijado o clavado en una cruz". Entonces, alguien se dice crucificado cuando está fijado o clavado a una cruz, no cuando está elevándose desde una cruz, como sucede con este falso crucifijo.

UN CRUCIFIJO MODERNISTA


Este "crucifijo" es el símbolo de la falsa teología del "misterio pascual" en particular, y de la herejía modernista en general. Por su aversión a la Cruz, los modernistas pretenden desplazar el centro de la fe desde la muerte salvadora de Cristo hacia la resurrección, acontecimiento que tuvo lugar como necesario "complemento de nuestra salvación", según enseña Santo Tomás de Aquino en la Suma Teológica (III, q. 53, a.1). [1]


"El acto central y principal en el que se resume la obra de Cristo y que recapitula toda la creación, es la muerte de Nuestro Señor. La Santísima Trinidad quiso manifestarse ad extra por el misterio de la Cruz: “Nosotros predicamos a Cristo crucificado, escándalo para los judíos, locura para los gentiles, mas poder y sabiduría de Dios para los llamados”(Fil 2,8). Si para los seguidores del Misterio Pascual, “la resurrección no aparece como un epílogo, sino como el término y el fin en que se resume el misterio salvador” (Roguet, Qué es el misterio pascual, pág. 21), es porque se han escandalizado de la Cruz de Nuestro Señor." [2]


"Para la nueva teología (...) la muerte de Cristo sólo tiene sentido en orden a la resurrección. “La Resurrección de Jesús – dice el nuevo Catecismo – es la verdad culminante de nuestra fe en Cristo, creída y vivida por la primera comunidad cristiana como verdad central, transmitida como fundamental por la Tradición, establecida en los documentos del Nuevo Testamento, predicada como parte esencial del Misterio Pascual al mismo tiempo que la Cruz” (n. 638). Según enseña el Misterio Pascual, la obra de Cristo no tiene al Padre como término, sino sólo como principio; el Hijo no vino por el Padre y para Su gloria, sino por el amor del Padre a los hombres y para la gloria del hombre. Por eso es imposible que la obra de la Salvación se cumpla en el Sacrificio, donde se destruye la vida del hombre, sino en la Resurrección." [3]

EL CRUCIFIJO DEL NEW AGE, DE LA NUEVA RELIGIÓN HUMANISTA DEL VATICANO II; UN CRUCIFIJO MASÓNICO Y SATANISTA

"¿Por qué aquellos que no creen en la Divinidad de Cristo se entusiasman tanto con la figura de “Cristo Resucitado?”


Para encontrar una respuesta, uno sólo necesita recordar las palabras de uno de los enemigos más amargos de Dios y de la Iglesia Católica, Alice Bailey, la sacerdotisa de la “New Age” y fundadora, en 1921, de la satánica “Lucifer Trust” (La Corte de Lucifer), quien había trazado el plan; la creación de una Nueva Religión Universal con estas palabras: «El “Cristo Resucitado” y no el “Cristo Crucificado” es la nota distintiva de la Nueva Religión».


¡He aquí el secreto de la dedicación de las “nuevas iglesias” al “Cristo Resucitado”!


Jesucristo es el “Maestro”, pero para ellos es el “Maestro” masón que se transforma, en el 15º grado de la Francmasonería de los Antiguos y Aceptados Masones del Rito Escocés, “resucitando” de la condición de “hombre en quien se revela claramente la realidad definitiva de ser un hombre quien, en sí mismo, es simultáneamente Dios”. Esto es, el masón, desde su estado precedente, “resucita” y se convierte en “Maestro” u “Hombre-Dios”, ¡liberándose de cualquier Autoridad Divina porque se ha convertido en Dios!


Así, no se trata del "Dios que se convierte en hombre, que muere en la Cruz y ha resucitado" porque Él es Dios; sino, en cambio, del hombre que se manifiesta como Dios en Jesucristo”, el cual es, para ellos, ¡sólo el símbolo del “Maestro” masón!


Así, con el término “Cristo Resucitado”, ellos no celebran la Divinidad de Cristo, sino la autodeificación masónica del hombre, a saber, el “Culto del Hombre” como un paso necesario para pasar al “Culto de Lucifer”." [4]

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1. Respondeo dicendum quod necessarium fuit Christum resurgere, propter quinque. (...) Quinto, ad complementum nostrae salutis. Quia sicut propter hoc mala sustinuit moriendo ut nos liberaret a malis, ita glorificatus est resurgendo ut nos promoveret ad bona, secundum illud Rom. IV, traditus est propter delicta nostra, et resurrexit propter iustificationem nostram.


2. R.P. Álvaro Calderón, El Misterio Pascual, p. 88.

3..Ibíd., p. 89.

4. Franco Adessa, ¿Quién era realmente Don Lugi Villa?, p. 59.

Non Possumus: EL "CRUCIFIJO" DE CRISTO RESUCITADO: FALSO, MODERNISTA, MASÓNICO Y SATANISTA

¿Arte moderno satánico? – conferencia de Pilar Baselga

Publicado el julio 4, 2018por Adversario

Marina Abramovic, artista predilecta de la élite
¿”ARTE MODERNO” SATÁNICO? +18 – Pilar Baselga #FenixCognitum

Conferencia de Pilar Baselga http://nomoriridiota.blogspot.com.es/ sobre la infiltración de una élite esotérica, ocultista y satánica en galerias y museos de arte moderno, alta moda de diseño. Vease a Performance de Marina Abramovic, Museo Arte Moderno California, L.A., MET GALA 2018
FENIX COGNITUM MEDIA

https://m.youtube.com/watch?v=uZkgjatUmlA

https://adversariometapolitico.wordp...pilar-baselga/

EL ARTE CONTEMPORANEO ES BASURA (Avelina Lésper)