Tema: Arte moderno

La silla de mi abuela tenía más arte.

Es como todo lo progresista, ni ellos mismo lo entienden.

No queda bien citarse; pero como en realidad es tan sólo una (mala) traducción, quizá a alguno le aproveche:

http://cnelkurtz.blogspot.com/2009/0...esial-dos.html

Iniciado por Walter E. Kurtz

No queda bien citarse; pero como en realidad es tan sólo una (mala) traducción, quizá a alguno le aproveche:

+: Sulspiciano y Modernismo eclesial: Dos caras de una misma moneda

Muy bueno el artículo. Lo leí cuando apareció y me gustó mucho (y por cierto, el blog del autor original es muy recomendable) pero no lo había posteado porque siempre consideré una descortesía copiar y pegar artículos de los blogs de otros miembros del foro salvo que tenga autorización de ellos.

Exposición de nada

París acoje una nueva exposición de nada


En nueve habitaciones vacías, 'el espectáculo más radical jamás visto' celebra los 50 años del arte del vacío.

La naturaleza odia el vacío, pero el arte no siente lo mismo. Desde la música silenciosa hasta las exposiciones invisibles, en estos últimos 50 años hemos observado el surgimiento del movimiento que donde la ausencia es presencia, menos es más y el vacío está lleno hasta arriba de significado.

Ahora, por primera vez desde que John Cage compuso su silencioso tema de 4 minutos y 33 segundos y Yves Klein invitara a miles de personas a ver una vacía y blanca habitación, el Centro Pompidou de París dedica una exposición al arte de la nada.

Aclamada por los críticos, definida como la obra más radical mostrada en el interior de un museo, "Vacíos" es una retrospectiva que celebra el arte que, según el artista Robert Barry dijo, quiere "darnos la libertad de pensar por un momento qué vamos a hacer".

Es una recreación de obras de los últimos 50 años, una retrospectiva que se extiende a lo largo de 9 salas, todas sin el más mínimo contenido. Las paredes recien pintadas son de un blanco uniforme, el suelo de parquet uniforme y pálido. Las únicas cosas que destacan (un termostato aquí, una señal de salida de emergencia allá, un pañuelo sucio que alguien tiró junto a una puerta) toman un nuevo y extraño significado sin precedentes.

Para Laurent Le Bon, director del Pompidou Metz, el proyecto está "en la línea de batalla de la aventura artística, y en la aventura de la historia del arte". Su compañero conservador del museo, Mathieu Copeland, dijo a Le Monde que la exposición tenía intención de ser "una experiencia real", y que sus asistentes podrían ser desafiados a pensar seriamente sobre su entorno. "No era solo cuestión de hacer una exposición sobre arte radicalmente conceptual, sino invitar a la gente a explorar de una manera muy física los espacios que los rodean, cada uno con su propia textura", añadió.

Arriba del todo está Klein, el entusiasta del vacío original, cuyo espectáculo de 1958 en la galería Iris Clert de París comenzó la bola de nieve con un "anti-blockbuster", con la característica principal de carecer de carácter físico. Ése fue el reclamo para presentar The Void, El Vacío (o su título completo "The Specialisation of Sensibility in the Raw Material State into Stabilised Pictorial Sensibility, The Void"), donde 3000 personas hicieron cola para cruzar una cortina azul que los llevaba a una habitación vacía.

El Pompidou acompaña obras propias con otras de otros artistas como Maria Eichhorn, Bethan Huws y Robert Irwin. El colectivo británico Art & Language también toma parte, reproduciendo su obra Air-Conditioning Show, mientras que la actuación en solitario de Laurie Parsons de 1990 se recrea con el mismo desdén hacia los garabatos que el original (las invitaciones originales de Nueva York no contenían nombres ni fechas, sólo la dirección de la Lorence-Monk Gallery).

Denis Comy, un artista de Gales, estaba esta mañana exporando los espacios vacíos, y aseguró que se quedó anonadado ante la "pureza" del concepto. "Estás en una de las principales galerías de arte y experas ver algo", dijo. "Pero sólo hay blancura. Cosas como las señales de salida de emergencia ahora parecen superfluas, intrusivas".

Quizá predeciblemente, sus impresiones no son compartidas por todo el mundo. Un grupo de estudiantes americanos en París por la spring break (N. del T. semana blanca por aquí, más o menos) no fueron tan impresionados. "Esto es una p... mierda", dijo uno. "Da la impresión de que no ponen nada porque no les sale del n...".

Arte basura

Últimamente, no hay feria de arte contemporáneo en la que no acabe en la basura alguna de las obras expuestas que el servicio de limpieza ha confundido con una inmundicia. Recientemente, una señora de la limpieza ha acabado con una bolsa de basura en la basura al creer que ese era el sitio adecuado para tal bulto. Luego resultó que se trataba de una obra expuesta y rápidamente devolvieron la basura a su sitio en la exposición. Quizás se trataba de una metáfora, quizás de la pura realidad. ¿Quién tiene más juicio sobre la obra, la señora de la limpieza que capta el verdadero valor de la cosa en cuestión, o el crítico que expande mil teorías sobre el genio creador de su favorito de turno?
Claro, que tampoco es extraño ver en las noches a grupos de sombras huidizas hurgando entre los contenedores frente a los pabellones de la exposición. No son ratas, ni mendigos en busca de un pedazo de pan que llevarse a la boca, sino los propios artistas intentando recuperar las piezas de sus obras desaparecidas sin que nadie las haya comprado.
En algunas ocasiones, sin embargo, los servicios de limpieza, que han sido previamente informados de las cosas que pueden encontrarse en dichas exposiciones, pueden ser tan escrupulosos de su trabajo que ante la duda, dejen una lata de refresco vacía en el suelo por si tratara de la última performance del último eco-artista de moda.
Personalmente, creo que el arte contemporáneo está corrupto, conviviendo en su enorme espacio un sinfin de maleantes de variada calaña y oscuro origen (marchantes, galeristas, artistas, críticos, compradores, falsificadores, intermediarios, subastadores, políticos culturetas, etc) junto a verdaderos artistas comprometidos con su trabajo y su obra, buenos galeristas con criterios no sólo mercantiles y buenos coleccionistas alejados de las corrientes de especulación... y señoras de la limpieza que saben de arte más que muchos de los citados.

Escrito por odyseo

Aprovechando el artículo que recién puso Hyeronimus

Tomaduras de pelo del "arte" moderno



Dejo éste que es muy parecido y donde expone que esta clase de “obras” dan la pauta para que cualquiera se convierta en un “artista”.

JUEVES, 17 DE JUNIO DE 2010

USTED ES UN ARTISTA






Christopher Bücher, Dirty Socks, 40,000.00 euros. Obra de Peter Soriano, 19,000.00 dólares



Una de las bases de la sociedad de consumo es que adquirimos objetos que de alguna forma no podemos hacer, es decir, usted no puede fabricar el coche que maneja o va a un restaurante porque sólo ellos cocinan un platillo con una receta inaccesible y deliciosa.

Eso también sucede con el gran arte, comprar una pintura o una escultura, adquirir obra gráfica como grabados o litografías es porque el artista tiene un talento extraordinario que hace imposible que alguno de nosotros imite su obra. El gran vendedor que es Damien Hirst afirma que cualquiera puede pintar como Rembrandt, cuatro siglos después nadie pinta como Rembrandt pero usted si puede hacer pinturas como las de Damien Hirst.

Aproveche que hoy cualquiera puede ser artista y haga sus propias obras de arte contemporáneo. Si se pone a pensar, es absurdo pagar por algo que usted mismo puede hacer. Sin miedo a las leyes de derechos de autor copie cualquier obra y adjudíquesela, ahorre miles de dólares. Le advierto que no lo estoy invitando a delinquir, para el arte contemporáneo no existe el plagio ni el robo artístico. Si usted toma cualquier pieza de cerámica de las que dan de premios en las ferias y dice que es una obra de Jeff Koons lo que usted está haciendo es “cuestionar el concepto de la autoría demostrando la invalidez del artista como creador único”.

Cuando en 1963 la Mona Lisa viajó a New York para ser expuesta en el Metropolitan Museum, Andy Warhol afirmó: “para que trajeron el original, con una copia era suficiente, nadie habría notado la diferencia”. Warhol se equivoca en relación al gran arte, pero en relación al arte contemporáneo tiene toda la razón. La última Feria Frieze en Londres vendió por 40,000. 00 euros un par de calcetines sucios de Christopher Bücher. Me imagino que usted tiene varios en su casa, aproveche y póngalos en una vitrina en la sala. En las galerías de Chelsea, instalación de teléfonos viejos, 3 piezas, de Janett Cardiff, 35,000.00 dólares.

Los videos de sus vacaciones y de las fiestas familiares que por lo general quedan horribles, no se avergüence de ellos, quíteles el audio y déjelos mal editados, en Zach Feuer Gallery tienen los videos de Tamy Ben Tor disfrazada con un bigote postizo, diciendo cosas sin sentido y valen 7,500.00 dólares cada pieza de 7 minutos, es una serie de 5 videos. Si a usted le impresiona que los directores y curadores de museos contemporáneos exponen sólo colecciones privadas para que los coleccionistas los inviten a sus fiestas, usted haga lo mismo, ponga al menos inteligente de su familia a realizar trabajos de terapia ocupacional y recolecte sus “obras” y exhíbalas en una fiesta en su casa, puede asignárselas a otro artista, es parte de la reflexión destruir la idea del autor como dueño intelectual de la obra. Y como dice Warhol, nadie va a notar la diferencia.

Si sus sobrinos rayan las paredes de su casa cuando van de visita reprima sus instintos asesinos y entrégueles varios botes de pintura de espray, además el chemo* los va a poner inspirados, porque una pintura de Peter Soriano de un cochecito pintado en la pared de su casa le puede costar 19,000.00 dólares, y es una ganga, si usted quiere que el asistente de Tracy Emin le pinte en su pared la palabra Fuck, le cuesta 90,000 euros. Ya sabe, póngase creativo y ahorre.




Publicado en El Semanario, en la columna Arte y Dinero el jueves 17 de junio del 2010.

NOTA. *Chemo: solvente tóxico. Ingrediente de las pinturas industriales, es utilizado como droga.


Publicado por Avelina Lésper en 12:12

Fuente:

Avelina Lésper: USTED ES UN ARTISTA

Excelente resumen del porqué el arte moderno es horrible. Todo esto es resultado del relativismo, que no solo afecta el ámbito moral, sino como consecuencia lógica otros aspectos del ser humano.

Los más altos representantes de las bellas artes en el mundo dieron un comunicado en el que notificaron a la sociedad que no existe y nunca ha existido el arte moderno, únicamente se inventó el término para hacer sentir bien a pseudo-artistas carentes de talento. “La verdad fue nuestra culpa,” comentó Pierre Jean-Claude, pintor de verdad francés. “Inventamos eso del arte moderno porque había mucha depresión y artistas frustrados, nunca creímos que se fuera a salir tanto de control y se convierta en algo tan irritante, tampoco sabíamos que habían tantos pseudo-artistas en el mundo.” Se espera que con estas revelaciones, estas personas desistan y vuelvan a dejar el arte en manos de aquellos que sí saben lo que están haciendo y no justifican la obvia carencia de belleza de su obra con pretextos cómo: “es algo abstracto” y “no te gusta porque no lo entiendes”. “Además éste tipo de ‘arte’ tiene la carencia de que en unos años ya no podrá considerarse moderno, pues ya va a haber pasado el tiempo y en ese caso miles de ‘obras’ quedarían sin pertenecer a ninguna corriente.” Señaló uno de los discípulos de Bob Ross.

Recuerdo que en el ámbito musical, gran parte del siglo XX fue dominado por el atonalismo, llegando a su cúspide con las corrientes como el serialismo, cuyo uno de sus representantes máximos (Karlheinz Stockhausen), llegó a afirmar que todo sonido es música (?!).

Las consecuencias de esta afirmación son evidentes, y se reflejan en algunas obras como las de Krzysztof Penderecki, John Cage y el mismo Stockhausen.

¿Diferencias el arte moderno de dibujos de niños? ¡Haz el test!


¿Eres capaz de diferenciar una obra de arte moderno de un dibujo hecho por niños? Te dejamos un test con 20 obras!

¿Cuántas eres capaz de acertar? ¡Dinos tu resultado!





https://www.youtube.com/watch?v=cMbBYuBGaUE

Confunden obra de "arte moderno" con basura

El museo recuperó gran parte de la muestra de arte





El museo recupera una gran parte de la muestra de arte.





El Museo de Arte Contemporáneo de Bolzano, se llevarón una enorme sorpresa al no poder encontrar una muestra de arte en una de las salas. Luego, se anunció por la red social de Facebook.



I precedenti illustri ci sono tutti, dalla vasca di Joseph Beuys alla porta di Duchamp. Questa mattina il personale addetto alle pulizie ha rimosso l'installazione ambientale 'Dove andiamo a ballare questa sera?' delle artiste Goldschmied & Chiari, recentemente inaugurata. L'opera, che mostrava i resti di una festa finita, verrà riallestita al più presto!






Una empleada de limpieza se confundió de sala, y en vez de limpiar el cuarto de la habitación donde presentaron un libro, la mujer recogió toda la “basura” supuesta muestra de arte en los tachos de reciclaje.

La muestra de arte era una “representación del hedonismo, el consumismo y la especulación financiera de la escena política italiana de la década de los 80", anuncia el museo en Facebook.

"Si ella creyó que era basura, entonces significa que lo era", aseguró el crítico de arte Vittorio Sgarbi al ser consultado por el medio NBC.

"El arte debería ser entendido por todos, incluyendo a los limpiadores. El hecho de que el museo pueda simplemente recolectar las piezas del tacho de basura y los ponga juntos demuestra que no era arte en primer lugar", comentó Vittorio Sgarbi.


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Fuente:

EL DEBATE | Confunden obra de "arte moderno" con basura | México

Hay un sinnúmero de abusos cometidos en nombre del "arte" contemporáneo: abusos, trampas, bromas y estafas. ¿Por qué? ¿qué tiene este "arte" que no ha tenido ningún otro antes para que en su nombre se puedan cometer tantas barbaridades abominables?

La inmensa mayoría de personas no entendemos qué nos quieren decir cuando observamos obras de "arte" contemporáneo. E incluyo a personas ilustradas y formación cultural suficiente y con sentido estético desarrollado pero que sin embargo son impotentes ante la expresión "artística" actual.

Podríamos analizar, al menos, tres dimensiones diferentes aunque complementarias:
1ª.- la creación contemporánea es, ininteligible para el ciudadano común. Algo que nunca antes había ocurrido. Cualquier pastor o labriego del XVII podía entender y conmoverse con una tabla de Velázquez. Tal vez fuera incapaz de apreciar todos los matices y rasgos geniales del pintor pero podía recibir alguno de los mensajes encerrados en la obra.
Un ciudadano medio actual es incapaz de captar mensaje alguno de una obra de Tapiés o Pollokc (por citar dos muy conocidos). Ha surgido un abismo insalvable entre autor y público.

2ª.- la creación contemporánea es igualmente incomprensible para personas entrenadas. Es característico del "arte" de los últimos 50 años cuando la subjetividad del autor confiere a la obra unos rasgos indescifrables.
Hasta el "pop art" el público culto pudo seguir la evolución de las escuelas y la sucesión de "vanguardias". No era fácil pero era posible con algo de esfuerzo penetrar los misterios del cubismo, las fosas del surrealismo, o los principios elementales de la abstracción.
A partir de cierto momento el aficionado perdió, para siempre la orientación, cuando los autores abstractos dicen que llegaron a una expresión mínima de sus mundos interiores. Nacía la transvanguardia (según Achille Bonito Olivia) desde entonces la vanguardia había muerto y vagamos entre fantasmas sin dirección. Y surge un último abismo entre el arte y sus receptores.

3ª.- la creación "artística" contemporánea, incomprensible para el común mortal e incluso para el culto deja de ser incomprensible para convertirse en escandalosa, indecente, y se venden como "arte" productos que de ninguna manera pueden ser tal. Algo que nunca antes había ocurrido.
Actualmente performances e instalaciones agotan el absurdo: desde pollos degollados masivamente en espacios públicos hasta contenedores de vacío, pasando por cadáveres despedazados o espaldas tatuadas de toxicómanos, etc. todo envuelto en el oropel de la subvención pública y la sonrisa y complacencia de la "crítica"

¿Es esto arte?, ya no es que el mortal común se encoja de hombros, o los cultos queden estupefactos, es que el propio mundo del arte clama por lo que claramente es una impostura y un abuso. El "arte" ya no tiene sentido porque produce cosas carentes de él. Este tercer abismo de conocimiento es definitivo y sólo cabe concluir que el llamado "arte contemporáneo" ha decidido abandonar cualquier elemental concepto de arte, por lato que sea. El arte ha dejado de existir.

Aunque en estas tres dimensiones se encierra gran parte del "problema" del "arte" contemporáneo son tres caras distintas del mismo problema.

Si bien nos hemos referido a las artes plásticas (las más gráficas) lo mismo es válido para cualquier otra manifestación de las artes: música, arquitectura, etc. En todas las ramas artísticas es palpable el mismo proceso de ruptura con la sensibilidad popular y la tradición cultural (incluida la moderna), incluso con el propio concepto de arte tal y como se definió durante siglos en Occidente. Y es la primera vez que ocurre. Nunca, en ningún otro lugar había sucedido nada semejante.

Todas las civilizaciones conocen episodios de iconoclastia, hay bruscos cambios en la forma expresiva, generalmente bajo bruscos cambios políticos pero NUNCA se había llegado a la que la sociedad NO pudiera reconocer el arte que ella misma genera.

Entre las causas de que esto sea así destacamos:
a) la búsqueda OBSESIVA de la novedad al punto que la novedad se convierte, per se, en el único objeto de la búsqueda expresiva del crador.

b) la desparición de significados inteligibles. No tanto con la representación realista del entorno sino más bien la desaparición de los códigos compartidos por creador y espectador.

c) transversalidad de los soportes. Cualquier cosa vale para hacer "arte": latas de conserva, macarrones, paquetes de cigarros, excrementos, etc. Así es fácil acabar llamando "arte" a cualquier cosa.

d) la consagración de lo efímero, sólo la sociedad actual ha convertido la circulación acelerada de objetos, su caducidad y aniquiliación en base del propio orden social. El arte o escapa a esta tendencia.

e) la vocación nihilista de la "cultura" contemporánea: desde las grandes revoluciones modernas el camino colectivo ofrece el aspecto de una carrera desenfrenada por destruir cualquier referencia estable, sólida.

f) la sintonía con un poder concebido como SUBVERSIÓN. Este "arte" se corresponde con un poder que se enmascara tras el discurso del cambio permanente, de la mutación como progreso.

g) el naufragio de la subjetividad del artista. Si el arte es expresión, ergo, comunicación, hoy el artista es incapaz, por sublimación de su subjetividad, de hacerse entender.

h) la obliteración absoluta de la pregunta por la belleza. Nadie considera la clásica convención que atribuía al arte la misión de aprehender la belleza; que incluso se considera, ahora, algo retrógado y perverso.


Aún hay quien confunde VALOR con PRECIO. Les dicen que por tal "obra de arte" pagaron cientos de miles o millones de euros y lo consideran una obra de arte sin otra razón o argumento que un precio subjetivo, ficticio.

Y habría que considerar también que estas "obras de arte" son un refugio seguro para blanquear dinero, al ser piezas únicas, difícilmente valorables (con precio voluble) permiten blanquear sumas ingentes de dinero. No recuerdo ahora exactamente quién era, pero cuando andaban investigando la n-enésima trama de corrupción política, uno de los implicados tenía en el baño (según la bobalicona prensa sensacionalista) no se qué "obras de arte" en el baño.

Pues lógicamente, eran una prueba más de blanqueamiento de dinero, pero de eso nadie habló.

Resulta gracioso que los de RT manejen con un tono tan solemne esta noticia que en realidad demuestra que el artista que hizo esta “obra maestra” era, con mucho, mejor comediante.


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Encuentran dos cuadros desconocidos detrás del famoso 'Cuadrado Negro' de Malévich

Publicado: 12 nov 2015 15:04 GMT | Última actualización: 13 nov 2015 12:45 GMT



Expertos rusos han revelado que detrás del famoso cuadro de Malévich 'Cuadrado negro sobre fondo blanco' se esconde toda una historia que desconocimos durante un siglo.

'Cuadrado negro sobre fondo blanco' o simplemente 'Cuadrado negro' es uno de los cuadros más famosos del pintor ruso Kazimir Malévich. Cien años después de la realización del cuadro, los expertos rusos revelan datos sorprendentes de la obra: detrás del cuadrado oscuro se esconden dos cuadros en color y una inscripción, informa el canal ruso Kultura.

Los expertos de la moscovita galería Tetriakov, un museo ruso de bellas artes, han descifrado la inscripción que se escondía detrás del cuadrado oscuro. Aunque la letra del pintor es difícil de leer, señalan que la frase dice "Combate de negros en una cueva, durante la noche". Ello hace referencia, aseguran, a otro cuadro parecido que tiene 22 años más que 'Cuadrado negro' y es obra del escritor y humorista francés Alphonse Allais.





La exibición 'Kazimir Malevich' en San Petersburgo, 2013/Reuters/Alexander Demianchuk

En lo que se refiere a los dos cuadros en color, los expertos afirman que, gracias a una inspección con rayos X y microscopio, se ha revelado que uno de ellos pertenece al cubofuturismo y el otro al proto-supermatismo, según la misma fuente.

Los críticos del arte aún no han llegado a asimilar toda la importancia del descubrimiento. Sin embargo, los pintores ya lo han hecho: la Academia de Artes de Rusia ha abierto una exposición dedicada al 'Cuadrado negro' en la que participan los más famosos pintores actuales.

¿Cuál es la importancia del nuevo descubrimiento?

'Cuadrado negro' es una de las obras más mitologizadas del arte del siglo XX. La obra, que admite numerosas interpretaciones, es el símbolo y la representación estética de los pintores de toda una época. Puesto que el mismo Malévich no dio respuestas claras sobre el significado de su cuadro, algunos investigadores han pensado hasta en posibles significados místicos y sobrenaturales. Incluso en una exposición que tuvo lugar en 1915 en San Petersburgo el cuadro ocupó una esquina especial de color rojo, en un lugar donde se colocaban los iconos en las casas rusas, detalla Gazeta.ru.

Asimismo, el descubrimiento deja a los expertos desconcertados: el hallazgo es importante para la historia de la obra del pintor, pero sigue sin aclarar el sentido del cuadro. Sin embargo, la referencia al cuadro de Allais nos permite tomarnos la historia de una manera menos seria.


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Fuente:

https://actualidad.rt.com/cultura/vi...-sorprendentes

Aunque la letra del pintor es difícil de leer, señalan que la frase dice "Combate de negros en una cueva, durante la noche”…

El anti-arte de lo absurdo

11 DE DICIEMBRE DE 2011 - 20:24


Siempre recordaré la primera vez que fui a una exposición del llamado “arte moderno”. Me encontraba estudiando en mis primeros años de facultad, en la biblioteca de una conocida fundación bancaria, y en ese mismo edificio se podía visitar gratuitamente una importante exposición de arte moderno que había pasado por las principales ciudades de Europa. Del nombre de los principales y “conocidísimos” supuestos “artistas” -creo que norteamericanos-, ni me acuerdo, ni quiero acordarme. El caso es que, mitad por curiosidad-hasta entonces el fenómeno del arte moderno, pese al IVAM, me había sumido en la más profunda indiferencia-, mitad por tener una excusa por abandonar temporalmente los apuntes de Derecho Civil, me acerqué a la renombrada exposición escultórica-pictórica tan anunciada, promocionada y aconsejada en los círculos culturales y universitarios de la ciudad.

Nada más entrar llamaba la atención por estar en el medio de la sala, una enorme escultura iluminada desde un potente foco en el techo, consistente en una especie de balón negro y un cilindro rojo pegado al balón. Al principio no sabía muy bien si se trataba de un mero efecto”decorativo” o de parte de la exposición, pero pronto vi la consiguiente ficha explicativa. Me negué a leerla. El resto de la exposición consistía en cuadros de un solo color, o como mucho con manchas, o con una sola mancha, o sin lienzo y con una llave en medio, trozos de madera pegados, hierros retorcidos y oxidados y cosas por el estilo. También, y para completar el panorama había una sección dedicada el mal gusto, donde se podía contemplar desde un Jesús crucificado con orejas de burro, seres monstruosos-y permítanme la licencia-pésimamente dibujados en pleno coito con... creo que burros, y más cosas de las que prefiero no acordarme, y por supuesto, dejar de horrorizar al sufrido lector.

Me fui de allí profundamente asqueado y sin terminar de visitar aquella especie de sala de los horrores, créanme, con ganas de volver al maravilloso Derecho Civil. La conclusión que saqué era la de preguntarme qué especie de mente perturbada puede crear tales chorradas, quién puede pensar que eso sea arte, y por qué una importante fundación bancaria apoyada por las instituciones culturales y educativas oficiales promueve, subvenciona y fomenta esta porquería amorfa que se ha dado en incluir en el llamado “arte moderno”. Había podido comprobar que a los demás compañeros de estudios que habían pasado por allí les había parecido también una muestra de degeneración sin ningún sentido, y a excepción de algún que otro payaso snob, cursi, moderno y, permítaseme la palabra, gilipoyas, que presume de encontrar sentido y explicación a lo que no lo tiene, creo que cualquier persona normal con un mínimo de sentido de la belleza y de la estética coincidiría con la posición de rechazo de los que esa tarde estuvimos allí.

A partir de esa tarde, empecé a descubrir este tipo de “muestras”, por llamarlas de alguna manera en otros campos antaño ocupados por el Arte, desde la música, que nos había llagado a los de nuestra generación profundamente degenerada sin apenas percibirlo, a la arquitectura urbana pasando por el cine, la literatura barata y sexista, teatro e incluso-y esto es bastante terrorífico- a los dibujos animados. Todos hemos visto orejas gigantes con patas que van persiguiendo a pequeños monstruitos con un solo ojo y dos pelos dibujados a un solo trazado y montados en un teléfono rosa. Cualquiera que entre en la ciudad de Valencia desde Alicante puede ver en su máximo apogeo una de las principales muestras de arte urbanístico valenciano, me refiero a la fuente conocida por los valencianos como “la pantera rosa” que consiste en una especie de torre metálica oxidada de unos veinte metros de altura acabado en una especie de plataforma cuadrada de la que sale un cilindro por donde cae un chorro de agua a una especie de piscina rodeada de balones de plomo. No sé muy bien qué significa, porque me niego a creer que se trate de un monumento a la conocida homónima rosa, pero una cosa sí se, es fea, absurda y está oxidada, y la modesta fuente a la que sustituía era mucho más bonita, sencilla y popular, y además no imitaba a ningún dibujo animado americano. Pues bien, esta maravillosa obra fue encargada por la autoridad municipal y por ella pagamos muchos millones.

La conclusión que saco de todo esto, es el interés por parte del poder, de ir ignorando paulatinamente el verdadero Arte-por otra parte imposible de ignorar-, para fomentar un figurismo que solo puede expresar desorden, anti-belleza, desarraigo, mestizaje, caos... es decir lo absurdo: el anti-Arte.La Historia nos enseña que todas las civilizaciones y sistemas políticos caen tarde o temprano dejándonos ciertas muestras del carácter de las mismas precisamente mediante sus obras artísticas, ahí tenemos Roma, Grecia, la Viena imperial, los castillos medievales, las catedrales, el románico y el gótico, o muestras cinematográficas como las de Leni Riefensthal o esculturas como las de Arno Breker por poner sólo algunos ejemplos de sistemas esplendorosos definidos perfectamente por las muestras de expresión artística que nos legaron. Sin embargo cuando caiga este sistema en el futuro y surja otra civilización mejor, dejando aparte la destrucción que de la naturaleza y del entorno rural se ha realizado en los últimos cincuenta años, si nos tiene que juzgar por las muestras ideográficas que dejemos, se calificará a este sistema como caótico, anti-natural, absurdo y horrible. Quién sabe, a lo mejor los hombres del futuro tendrían razón.
E.MONSONÍS
El anti-arte de lo absurdo | Identidad y Tradición

El culto a la fealdad

Un fruto evidente de la apostasía de Occidente es la fealdad cultural. Guste o no, Europa se construyó sobre la fe en Cristo, y con el rechazo voluntario de esa fe ha crecido un odio por parte de los mismos europeos hacía toda la tradición cristiana. En definitiva, un odio hacía el mismísimo Dios, fuente de toda belleza, ha generado un gusto por la fealdad. Hasta que Europa se auto-destruyó en la Gran Guerra de 1914-18, toda su historia, sus tradiciones y su cultura bebían directa o indirectamente del cristianismo. Creo que fue a partir de de esta guerra, cuyos 100 años ahora que se conmemoran, cuando Europa optó definitivamente por rechazar a Cristo. Desde luego, fue un proceso que tardó su tiempo, pero fue gracias a esta contienda que la mentalidad revolucionaria, y por tanto anticristiana, logró contagiar a todo Occidente. Desde entonces la cultura moderna se ha degenerado hasta convertirse en un culto a la fealdad.
Este culto a la fealdad se manifiesta en diversas formas artísticas en las corrientes vanguardistas de la época inmediatamente posterior a la Gran Guerra. En la música, la Segunda Escuela Vienesa, liderada por Arnold Schoenberg, buscó una ruptura radical con el pasado. Su sistema dodecafónico fue un intento de crear una nueva música a partir de teorías matemáticas y filosóficas. Aún hoy en día hay músicos de renombre que defienden el dodecafonismo, pero en mi opinión lo hacen por puro esnobismo artístico. La realidad es que nadie soporta la música dodecafónica, cuyo efecto estético se podría comparar a una patada en la espinilla. El que quiera comprobarlo, que escuche esta pieza de Anton Webern. [1] Es un buen ejemplo de la artificialidad moderna; en lugar de cultivar formas artísticas que nacen y se desarrollan orgánicamente dentro de una cultura viva, una élite decide imponer unas normas a partir de sus teorías académicas, creando una brecha insuperable entre ellos y la gente normal.




La música llamada “culta” siguió por este camino esotérico que dictaba una élite cada vez más divorciada del mundo real. En cuanto a la música de las masas, a partir de los años ´50 el Rock and Roll arrasó una generación entera hacía el desenfreno y la pérdida de valores religiosos. [2] En general, la historia de la música del siglo XX se caracterizó por una búsqueda frenética de la novedad a toda costa, tanto en las estridencias de la música “culta” como en el Rock and Roll. Creo que es por esta razón que la música antirevolucionaria por antonomasia, la música tradicional, también llamada folclórica, entró en declive. La tragedia de los últimos 100 años en Occidente, a mi juicio, es la progresiva pérdida de la herencia musical tradicional de los pueblos. Cada año constato con tristeza que mis alumnos del conservatorio son incapaces de cantar alguna canción tradicional de su región. Sólo conocen las bandas sonoras de películas de Hollywood, la música de programas de televisión, o lo que cantan las estrellas del Pop.


La música tradicional es la que se transmite oralmente de generación en generación, y varía de una región a otra. Esta música fortalece el vínculo cultural entre todos los miembros de una misma comunidad y crea una identidad cultural que distingue su comunidad de otras. Exactamente lo contrario ocurre con la música Pop. Esta música cambia constantemente con las modas, por lo que cada generación se aficiona a un género diferente a la anterior, creando una brecha cultural intergeneracional. Además, la música Pop, promocionada por los medios de comunicación de masas, es la misma en cualquier lugar. Esto quiere decir que erosiona la identidad cultural de los pueblos, porque musicalmente ya nada distingue unos de otros. Cuando una tradición musical muere es casi imposible resucitarla. Desaparece para siempre parte de la identidad cultural de un pueblo, para ser reemplazado por bazofia extranjera. Es un empobrecimiento cultural realmente trágico, que sirve para avanzar la agenda del Nuevo Orden Mundial. Esta homogeneización de la cultura ocurre en casi todos los aspectos de nuestra vida. Los restaurantes donde se sirve comida local son sustituidos por hamburgueserías de franquicias americanas. Las modas locales en el vestir y los trajes típicos de cada región se sustituyen por lo que dictan cuatro diseñadores en Nueva York o París. Los bailes autóctonos ceden el lugar al vulgar contoneo discotequero. Hasta las lenguas de cada nación son invadidas por anglicismos.


En las artes plásticas también es fácil ver el culto a la fealdad . El arte decadente, el feísmo y el arte abstracto, beben de fuentes inquietantes. Uno de los principales ideólogos que inspiraron el nuevo arte modernista es Charles Baudelaire, un drogadicto degenerado cuyo magnum opus, Les Fleurs du Mal, es abiertamente una alabanza a Satanás. Otra influencia importante, sobre todo para el arte abstracto, es Helena Blavatsky, la fundadora de la religión esotérica mágica denominada teosofía. Con estas raíces no es de estrañar que el árbol del modernismo artístico creciera torcido desde el principio y diera frutos tan amargos.


Esta acuarela de 1911 es el primer cuadro abstracto:





Su autor, Wassily Kandinsky, explica en su libro De lo Espiritual en el Arte, que este nuevo movimiento artístico se fundamenta en las teorías de Blavatsky, la Doctrina Secreta, como él lo llama. Piet Mondrian, otra figura importante del arte abstracto, también era adepto a la teosofía:

Mediante la teosofía me di cuenta de que el arte podía ofrecer una puerta hacía otras dimensiones más altas, que llamaré el reino espiritual.

Un cuadro de Mondrian de 1930



El dadaísmo, la expresión artística del ateísmo y el nihilismo y la primera manifestación de la fealdad como principio estético, surgió durante la Primera Guerra Mundial. En décadas anteriores Friedrich Nietzche, el gran profeta del ateísmo, había abogado por la fealdad en las distintas expresiones artísticas:

Se ponen límites demasiado estrechos al arte cuando se le exige que sea sólo el vehículo de expresión del alma regulada y equilibrada. Al igual que en las artes plásticas, hay en la música y en la poesía un arte del alma fea, junto al arte del alma bella. [3]

La figura más representativa del dadaísmo, Tristan Tzara, un marxista judío de origen rumano, utilizó el arte como una pieza más en la Revolución. Si bien tuvo un éxito limitado en su momento, su influencia posterior ha sido enorme, como por ejemplo en el Pop Art de Andy Warhol de los años ´60. Así es como ArteEspaña.com define el dadaísmo:

El Dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección. Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación … Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor.

Picasso, Mujer sentada, 1927



Quien tomó el relevo en este rechazo a la belleza artística fue el comunista español Pablo Picasso. Picasso llevó a nuevos extremos la deliberada distorsión del cuerpo humano. Satanás odia el cuerpo del hombre porque está hecho a la imagen de Dios, es “templo del Espíritu Santo”, y porque la segunda persona de la Santísima Trinidad quiso hacerse hombre. Por estas razones es natural que los artistas bajo la influencia del Demonio representen a los hombres como si fueran bestias repugnantes. Sir Herbert Read, posiblemente el crítico de arte más influyente de su tiempo, afirmó que Picasso pintaba en un estado de trance, para poder conectar con el “subconsciente colectivo”. El caos, tan presente en todos su cuadros, me indica que Picasso fue un hombre gravemente desequilibrado, como mínimo. Personalmente creo que en sus trances el pintor conectaba con algo mucho más siniestro que el subconsciente colectivo (si es que tal cosa existe). Creo que conectaba con los espíritus malignos del Infierno.

Picasso también fue el pionero del artista charlatán. Se hizo inmensamente rico y famoso en vida, gracias en gran parte a su habilidad para vender sus ocurrencias artísticas al público, lo que hoy llamaríamos marketing. Hoy el arte contemporáneo se ha convertido en una gran farsa, donde lo único que prima es la promoción de los “artistas”. El que sepa hacerse un nombre entre la gente influyente vende sus creaciones por millones de dólares, irrespectivamente de su calidad estética. El producto artístico es irrelevante; se vende y se compra una firma, como si fuera una acción en la bolsa. Por esta razón laTate Gallery de Londres compró y exhibió este montón de ladrillos del “artista” Carl Andre.





Es por la misma razón que Damien Hirst, cuya obra más conocida es este tiburón en una solución de aldehído fórmico, ha ganado unos 500 millones de dólares vendiendo lo que cualquier persona mínimamente sensata sabe que es basura. ¡Qué bonito es el traje del emperador!, dicen los gurus del arte contemporáneo, y todos los tontos útiles se preguntan (sin atreverse a decir nada) porqué no lo aprecian como deberían.





Los soviéticos fueron los pioneros en crear monumentos abstractos gigantes que afeaban el espacio público, una moda que hoy en día se ha extendido por el mundo entero. Aunque los gobiernos liberales occidentales se gasten fortunas en construir mamotretos horripilantes, en mi opinión los antiguos monumentos soviéticos aún los superan. Vean por ejemplo esta monstruosidad de la antigua Yugoslavia:





Murcia, la ciudad en la que vivo, tiene un número desproporcionado de esculturas gigantes de este estilo. De hecho, Murcia es sin duda la ciudad con más esculturas feas por metro cuadrado de España. Sus políticos creen que al gastar el dinero de los murcianos en basura moderna (¡una basura muy cara!) han elevado el nivel cultural de la ciudad, cuando lo único que han hecho, aparte de cabrear a mucha gente, es demostrar lo paletos que son y el pésimo gusto estético que tienen. Para deleite de mis lectores ofrezco una selección de las esculturas más feas de Murcia, todas erigidas en los últimos 10 años:


Una araña multicolor


Un come-cocos gigante que “sólo” nos costó 200.000€


El casco de Darth Vader en pleno centro de la ciudad


El monstruo de la chatarra


Una mantis religiosa de 20 metros de altura


Aparte de la evidente fealdad de estos “monumentos”, llama la atención su absoluta vacuidad; no significan ni representan nada. En este sentido son un fiel reflejo del régimen liberal que padece Europa entera, verdadero heredero del marxismo cultural. Al rechazar a Jesucristo, al dar la espalda a las tradiciones de nuestros ancestros, se ha caído en el más absoluto nihilismo. El único consuelo que me queda es pensar que estos atentados estéticos se perpetran contra el pueblo.


Christopher Fleming


El culto a la fealdad - Adelante la Fe

Otra más





Una mujer de la limpieza tira una obra de arte contemporáneo a la basura


Estaba formada por varias mantas térmicas de supervivencia, de apariencia muy parecida al papel de aluminio, arrugadas y desperdigadas por el suelo que simbolizaban «los escasos medios con los que se lucha en los rescates en alta mar»




La obra de arte que fue destrozada sin querer - rtlnext.rtl.de




ROSALÍA SÁNCHEZ- Berlín - 04/02/2016 a las 08:58:37h. - Act. a las 10:09:30h.Guardado en: Cultura , Arte

La guerra silenciosa que las mujeres de la limpieza alemanas parecen haber declarado al arte contemporáneo acaba de anotar otra batalla a favor de las primeras. El destrozo ha tenido lugar esta vez en la iglesia evangélica Philippuskirche de la ciudad de Mannheim, donde una encargada del aseo del templo ha tirado a los contenedores de residuos buena parte de la instalación titulada «Vivienda 6/2016», con la que la artista Romana Menze-Kuhn trataba de llamar la atención sobre el drama de los refugiados. El padre Gerd Frey-Seufert ha disculpado a la atacante explicando que «no identificó que se tratase de una obra de arte y se limitó a cumplir con lo que creía que era su trabajo», al tiempo que ha descartado cualquier trasfondo de xenofobia; «en absoluto, sencillamente pensó que era basura y actuó en consecuencia».

La obra de arte en cuestión consistía en varias mantas térmicas de supervivencia, de apariencia muy parecida al papel de aluminio, arrugadas y desperdigadas por el suelo, delante del altar, con las que la artista pretendía simbolizar «los escasos medios con los que se lucha en los rescates en alta mar». «Las partes de la instalación que faltan simbolizaban para mí las personas que necesitan ayuda, que viajan en busca de protección y una nueva casa, una nueva vida, también en el seno de la iglesia», ha declarado Menze-Kuhn, que por otra parte ha reaccionado con resolución y pragmatismo.

La artista ha reconstruido parte de la instalación, ha añadido un contenedor de basura con parte de la obra anterior en su interior, la ha titulado “Vivienda 6a/2016” y puede ser visitada hasta el 14 febrero. «Al principio quedé bloqueada, estaba claro que el destrozo impedía la reconstrucción de la obra, pero después entendí que podía integrarlo en ella», ha declarado la artista, que reside en Eschborn, Hesse, y que afirma que «sigo sin entender cómo ha podido pasar». «Estoy muy enfadada», ha reconocido, «uno puede pensar lo que quiera de una obra de arte, pero intervenir así es una gran falta de respeto y me ha indignado».

No es la primera vez que una obra de arte contemporánea sufre una agresión en Alemania por parte del personal de mantenimie0nto. En 2011, la instalación «Wenn es anfängt durch die Decke zu tropen» (Cuando empieza a gotear el techo) del artista Martin Kippenberger (1953-1997), valorada en 800.000 euros, fue víctima de la fregona de una señora de la limpieza del Museo Ostwald de Dortmund. Este incidente ocurrió después de que en diciembre de 2010 un visitante se cayese dentro de otra obra, titulada “El espíritu de la luz» y realizada por Otto Piene.

En el más reciente caso de Mannheim, al igual que en los anteriores, la responsable de los destrozos no sufrirá consecuencia alguna. La iglesia Philippuskirche ha decidido correr con los gastos ocasionados, que prefiere no concretar, y no establecer sanción alguna contra la señora de la limpieza. «Lo que ha pasado ya ha sido suficientemente vergonzoso para ella», ha zanjado el padre Gerd Frey-Seufert.


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Fuente:

Una mujer de la limpieza tira una obra de arte contemporáneo a la basura